Las 100 mejores películas del siglo XXI, según el New York Times

Entre los servicios de streaming y las producciones taquilleras de superhéroes, la forma en que vemos y pensamos sobre las películas ha cambiado drásticamente en los últimos 25 años. Pero a lo largo de ese periodo de agitación, ¿qué películas han resistido realmente el paso del tiempo?

Para averiguarlo, nos embarcamos en un nuevo y ambicioso proyecto en el que pedimos a más de 500 personas que trabajan en la industria cinematográfica y en ámbitos relacionados que votaran por sus 10 películas favoritas estrenadas desde el 1 de enero de 2000. En colaboración con The Upshot, hemos recopilado sus respuestas para crear una lista de las 100 mejores películas del siglo XXI.

Entre los votantes se encuentran directores galardonados con el Oscar como Pedro Almodóvar, Sofia Coppola, Barry Jenkins y Guillermo del Toro, así como actores aclamados como Chiwetel Ejiofor, Mikey Madison, John Turturro y Julianne Moore.

Cada generación tiene una comedia adolescente que la define. En el siglo XXI, esa es Superbad. El guion de Seth Rogen y Evan Goldberg, sobre dos amigos llamados Seth (Jonah Hill) y Evan (Michael Cera) que intentan tener sexo con alguien antes de graduarse de la secundaria, es a la vez hilarantemente obsceno y subrepticiamente dulce. El director Greg Mottola tomó las travesuras y las elevó con títulos de apertura retro y una secuencia hilarante con dibujos animados fálicos. Pero Superbad también es una hazaña de elenco, ya que presentó al público el talento de Hill, Cera y Emma Stone.

Elegida por Julianne Moore.

El primer indicio de que esta historia policial coreana no se rige por las convenciones del género de Hollywood aparece en los primeros momentos: un detective llamado a investigar un cadáver en una zona rural llega tomando aventón en un tractor. Las risas macabras continúan cuando otros desventurados investigadores caen literalmente en la escena del crimen. El director Bong Joon Ho tiene ideas sólidas sobre los límites de los hombres que se enfrentan a un mal insondable, y las explora con una mezcla de humor inesperado y drama agudamente observado que se convertiría en su sello distintivo.

Sería fácil suponer que este documental de Werner Herzog sobre Timothy Treadwell, quien pasó muchos veranos cohabitando con los osos pardos de Alaska, tendría una inclinación educativa. Pero Treadwell no era un experto en el sentido tradicional, y esta película trata más bien de un hombre que lidia con su lugar en el mundo. Herzog se basa en horas de videos grabados por el propio Treadwell. El micrófono de su cámara estaba encendido cuando él y su novia murieron atacados por un oso en 2003. Vemos a Herzog escuchar esos momentos, convirtiéndolo en el audio más espeluznante que jamás escucharás.

La película de acción de Alfonso Cuarón es una de las atracciones más emocionantes del siglo XXI, una historia de supervivencia en tiempo real sobre una astronauta abandonada (Sandra Bullock) que debe encontrar el camino de vuelta a la Tierra mientras se enfrenta al trauma que ha reprimido durante mucho tiempo. Con efectos especiales innovadores que eclipsan a la mayoría de los estrenos recientes, Cuarón crea una historia llena de suspenso que da a entender que el verdadero terror de estar perdido en el espacio no es la perspectiva de una muerte segura, sino acabar a solas con tus pensamientos.

Elegida por Edgar Wright.

Hay demasiado que apreciar. Esta es una superproducción de superhéroes que realmente tiene algo importante que decir sobre cómo se entrecruzan la identidad, la historia y la responsabilidad. Wakanda, el mundo afrofuturista en el que se desarrolla la historia, es una maravilla visual. Las mujeres (interpretadas por Angela Bassett, Danai Gurira, Lupita Nyong’o y Letitia Wright, todas excelentes) no son solo compañeras o intereses amorosos. Michael B. Jordan, en el papel del trágico villano Killmonger, nunca ha sido tan digno de admiración. Y, por supuesto, Chadwick Boseman brilla en el papel protagonista, tristemente uno de los últimos antes de fallecer de cáncer.

Al principio, Julie (Renate Reinsve) puede parecer una diletante. Esta estudiante universitaria de Oslo cambia de carrera como de ropa; más tarde, ya en sus ventitantos, sale con el irritable Aksel (Anders Danielsen Lie) mientras fantasea con una vida junto al más sencillo Eivind (Herbert Nordrum). Pero esta dramática comedia de Joachim Trier nunca juzga a Julie por su indecisión, ya que una vida vivida con intensidad está destinada a incluir algunos desvíos. ¿Cómo se supone que vas a encontrarte a ti mismo sin buscar primero por todas partes?

La imagen de una Samantha Morton casi calva gritando “¡Corre!” es solo una de las razones por las que la adaptación de Steven Spielberg de la novela de Philip K. Dick sigue siendo inquietante. En esta distopía, los delitos se detienen antes de que ocurran gracias a la previsión de “precognitivos” humanos como el personaje de Morton. Tom Cruise está perfectamente en su papel de policía acusado injustamente, infundiendo una profunda tristeza a sus acciones a medida que se acerca al centro de una enorme conspiración. Una agonía lacerante impulsa el noir de Spielberg, en el que el color casi ha desaparecido del mundo.

“No hago milagros, soy un conserje”, le dice Michael Clayton a un cliente descontento del bufete de abogados para el que trabaja. George Clooney, en su mejor interpretación, pronuncia la frase con una mezcla de amargura experimentada e inteligencia. Su personaje es nominalmente un abogado, pero en realidad es un solucionador que intenta deshacer el entuerto después de que un colega (Tom Wilkinson, en su mejor momento) deje de tomar su medicación y encuentre su brújula moral. Lo que eso hace a la conciencia de Clayton es el quid de la apasionante película de suspenso del guionista y director Tony Gilroy.

Las epopeyas de espadas y sandalias llevaban mucho tiempo pasadas de moda cuando Ridley Scott irrumpió con este emocionante drama lleno de intriga y acción. Ayudó que contara con Russell Crowe, en el papel de un honorable soldado en busca de venganza, en el apogeo de su carrera, y con un Joaquin Phoenix fresco y natural como el emperador que ansía ser amado. La película provocó un pequeño resurgimiento del género, pero ninguno de los imitadores entendió que el espectáculo necesita un corazón que lo acompañe. Eso es lo que hizo tan apasionante a Gladiador.

Elegida por Nicholas Sparks.

Pocas películas sobre chicas adolescentes son tan crudas o atrevidas. La historia de Andrea Arnold trata de una chica (Katie Jarvis) que desea desesperadamente ser bailarina de hip-hop, una aspiración que el nuevo novio de su madre (Michael Fassbender) alienta. Pero, en realidad, la película trata del despertar de sus pasiones, sexuales y familiares, entre otras, y del modo en que esta chica aparentemente dura es dolorosamente vulnerable. Es intrépida y eléctrica, una de las mejores de Arnold.

Elegida por Lena Dunham.

Antes de que Greta Gerwig se lanzara por su cuenta a hacer Lady Bird, la primera señal de su ascensión fue Frances Ha, que coescribió con el director Noah Baumbach. Gerwig también interpreta a Frances, una mujer de veintitantos años que se aferra a su juventud de una forma que es a la vez irreprimiblemente alegre y profundamente inmadura. Rodada en un nostálgico blanco y negro, Frances Ha es un estudio de personajes que capta el momento en que la edad adulta se afianza.

Elegida por Mike Birbiglia.

La trama de la deslumbrante y ambiciosa epopeya espacial de Christopher Nolan es un rompecabezas que aún hoy sigue siendo alucinante, reflejando lo poco que sabemos sobre dónde estamos en el universo y por qué existimos. En el centro se encuentra Matthew McConaughey, un viudo que deja atrás a su padre, a sus hijos y a una Tierra devastada por el cambio climático para unirse a un equipo de la NASA que intenta encontrar un nuevo planeta. A pesar de los horizontes lejanos, lo mejor de la película es su exploración del concepto precario pero seductor del hogar.

Elegida por Simu Liu.

En Los espigadores y la espigadora, la espigadora es Agnès Varda, la cineasta pionera que ayudó a poner en marcha la nueva ola francesa. Con narración intimista y cámara digital en mano, Varda viaja por toda Francia para considerar la identidad clásica y contemporánea, personal y política, de los espigadores, personas que tradicionalmente recogían el grano que quedaba en los campos tras la cosecha. El resultado es un sueño profundo, extraordinariamente tierno y filosófico sobre lo que podría significar vivir en el mundo —tomar solo lo que necesitas, compartir todo lo que tienes— que es en sí mismo una proeza del rebusque cinematográfico.

Con la primera entrega de su trilogía de El señor de los anillos, Peter Jackson casi hizo lo imposible: dio vida a la Tierra Media de J.R.R. Tolkien en las colinas de Nueva Zelanda, atrayendo a los fanáticos más veteranos y a los recién llegados que pudieran ser reacios a la jerga sobre elfos y orcos. La película estableció un nuevo estándar para las superproducciones de fantasía, con un maquillaje y unos efectos que siguen siendo de buena calidad, y unos decorados envolventes y en ocasiones terroríficos. En cuanto suena la banda sonora de Howard Shore, es difícil no sentirse transportado.

Elegida por Tony Hale.

La escena inicial de la ópera prima de Celine Song te seduce: a altas horas de la noche, en un bar de Nueva York, una mujer (interpretada por Greta Lee) está sentada entre dos hombres (Teo Yoo y John Magaro) y no está claro quiénes son el uno para el otro. La escena final con las mismas tres personas, filmada en una sola toma en una acera, puede destrozarte el corazón. Entre ambas escenas, la historia de Song se desarrolla en Nueva York y Seúl, y está llena de exquisitas reflexiones sobre el tiempo, el amor, el destino y la reinvención.

Las interminables frases ocurrentes, los absurdos decorados, el enorme y estúpido presentador sexista interpretado con la dosis justa de locura por Will Ferrell, posiblemente en su mejor momento: esta comedia es el antídoto perfecto para cualquier mal que te aqueje. ¿Tiene sentido la historia? La verdad es que no. ¿Importa eso? No. Estás ahí por los chistes, las peleas entre equipos de noticias rivales y la sensación de que los miembros del reparto se lo pasaron como nunca haciendo esta película. Además, ahora todos sabemos que “San Diago” en alemán significa “vagina de ballena”.

Melancolía, de Lars von Trier, está aquí para desalentarte de un modo tan sobrecogedor como contemplativo. Kirsten Dunst interpreta a una novia que se desmorona, tanto mejor para coincidir con el estado del mundo, que está a punto de chocar con un planeta errante. Cuando se trata de desolación y brutalidad, von Trier es el que mejor lo hace, pero el director se las arregla para convertir la aniquilación total en algo bello.

Los hermanos Coen escarban en la escena folk de la década de 1960 centrándose en uno de sus perdedores. El personaje del título, interpretado por un Oscar Isaac que es una revelación, es un tipo infeliz, que llora la pérdida de su compañero musical, y un imbécil, propenso a aprovecharse de supuestos amigos. La música de Llewyn es buena, pero no al nivel de Bob Dylan. Esto convierte a la película en una de las obras de arte por excelencia sobre ser un artista al margen de la grandeza. La ironía de que la propia película sea genial es justo el tipo de karma que Llewyn merece.

Elegida por Rachel Zegler

La obra maestra documental de Joshua Oppenheimer trata sobre los autores de los asesinatos en masa perpetrados en Indonesia entre 1965 y 1966. Sin embargo, el tema central es la increíble capacidad de la mente humana para compartimentar y racionalizar actos monstruosos de crueldad hacia otras personas. La forma en que Oppenheimer aborda el tema da como resultado una película que se asemeja a un suspenso psicológico, aún más aterradora por tratarse de una historia real.

“Lo que Joshua Oppenheimer consigue es una meditación completamente profunda sobre la culpa. El costo humano en las propias personas que cometieron estos asesinatos es fascinante”.

Chiwetel Ejiofor, actor

¿Dónde está el límite entre el afán de perfección y la obsesión malsana? Natalie Portman se llevó a casa el Oscar a la mejor actriz por su papel de Nina, una bailarina cuya competencia con una rival (Mila Kunis) por el papel protagonista en El lago de los cisnes la empuja a la locura. El director Darren Aronofsky aumenta la tensión y la desorientación en este thriller psicológico hasta que nuestras cabezas dan vueltas junto con las bailarinas. Las escenas que muestran las alucinaciones de Nina infunden al horror corporal un inolvidable grandeur sombrío.

Muerte, resurrección, lazos familiares y una emocionante interpretación de Penélope Cruz componen esta joya dramática de Pedro Almodóvar. Varias generaciones de mujeres muestran determinación mientras sortean obstáculo tras obstáculo. Es una obra de empoderamiento, rebosante de belleza y pasión (como muchas de las películas de Almodóvar), y salpicada de una pizca de realismo mágico que abre su narrativa a nuevos ámbitos.

Elegida por Pamela Anderson

Hay temas ambiciosos y luego está El árbol de la vida, de Terrence Malick, ganadora de la Palma de Oro, que intenta abarcar toda la creación. Esta película impresionista, una meditación sobre la memoria y la pérdida, sigue vagamente a una familia suburbana en el Texas de la década de 1950 y a uno de sus hijos atribulados (Sean Penn) en 2010. Pero en su audaz secuencia sobre “la historia del universo”, busca el significado de una vida humana examinando los orígenes violentos, bellos y misteriosos de la vida misma.

Al ver este debut cinematográfico silenciosamente devastador de Charlotte Wells, se tiene la sensación de estar viendo las películas caseras de alguien, incluso en las escenas que no están rodadas para parecer imágenes de una videocámara de las vacaciones de un padre y una hija en Turquía. Las interpretaciones perfectamente afinadas de la joven debutante Frankie Corio y de la revelación Paul Mescal (nominado al Oscar al mejor actor) contribuyen al realismo íntimo; cuando los indicios de oscuridad se cuelan en su viaje soleado y queda claro que su tiempo juntos es cosa del pasado, es desgarrador.

“Una de las cosas realmente poderosas de esta película para mí, como productor, es hasta qué punto Charlotte estaba completamente comprometida con su visión y tenía fe en que el público la entendería. Creo que cada película tiene un lenguaje con el que el público tiene que leerla, y a veces nos atascamos intentando simplificar ese lenguaje. Pero Charlotte creía en esta historia y en estas interpretaciones de Frankie y Paul para comunicar este sentimiento tan profundo que tenía de su infancia con su padre, y creo que por eso la película funciona. Quiero decir, el final es mortal”.

Barry Jenkins, director

¿Cómo se escribe cuando tienes salchichas en lugar de dedos? La película tremendamente creativa de Daniel Kwan y Daniel Scheinert te hará plantearte esta y muchas otras preguntas que nunca habías imaginado. Con una lluvia que es más bien una tormenta de ideas, esta película no debería funcionar tan bien como lo hace, pero los seguros cineastas destilan su narrativa multiversal y que salta de un género a otro en verdades sobre el amor y la familia. Resulta que esos dedos de salchicha pueden abrazar fácilmente.

Elegida por Justice Smith

Esta aventura en tonos sepia de los hermanos Coen se presenta como una adaptación de la Odisea de Homero y, aunque ese hilo conductor es, en el mejor de los casos, flojo, ofrece un sustancioso guiso de folclore, cuentos fantásticos e incluso fantasía. En el polvoriento Mississippi de la época de la Depresión, tres poco inteligentes convictos que se fugaron de prisión se embarcan en una búsqueda del tesoro. Se produce entonces un viaje caprichoso y divertido, pero es el uso que hacen los cineastas de la música sureña estadounidense, incluyendo el gospel, el delta blues y el bluegrass, lo que eleva esta búsqueda a una alegoría sobre la libertad, el perdón, la esperanza y las muchas formas en que somos inherentemente imperfectos.

“Tiene que ser George Clooney: su elasticidad, su voz, su optimismo, todo en esa interpretación. Tim Blake Nelson también está increíble. Hay algo en la amistad, el viaje y el humor, todo mezclado. ¡Y la música! Es profunda, pero también es una aventura”.

Benny Safdie, actor y director

Michael Haneke, el provocador director de Funny Games, desplegó un toque sorprendentemente tierno a este desgarrador retrato de la devoción conyugal. Basándose en los recuerdos que el público tiene de sus estrellas, Jean-Louis Trintignant (El Conformista) y Emmanuelle Riva (Hiroshima Mon Amour), Haneke les dio el papel de Georges y Anne, ex profesores de música casados. Georges cuida de Anne a medida que su salud se deteriora; reconoce que no hay mucho que hacer, y que poco a poco está llegando al cierre de su propia vida.

Elegida por Pedro Almodóvar

Un retrato desgarrador de la imaginación y la inocencia infantiles en medio de la pobreza y la marginación en Estados Unidos. Moonee, de 6 años (Brooklynn Prince), causa estragos en un motel de mal gusto cerca de Disney World. Te dan ganas de abrazarla con alegría y de regañarla a la vez, y esa es la clave: es una niña, y muy vivaz. La película se nutre de una tensión tácita (es poco probable que esta existencia termine bien) y de la forma en que un mundo mágico y fantástico, creado y comercializado por Disney, se encuentra justo ahí, fuera de su alcance.

Elegida por Mikey Madison

Un roedor animado, un telón de fondo parisino, una historia de cenicientas (Ok, de ceniratas): es la base de muchos cuentos animados. Pero hay una diferencia entre repetir lo mismo de siempre y elevar un clásico, como la trayectoria del plato titular de esta película. Remy, una rata de campo con un paladar sofisticado y fe en sí mismo, se dirige a la ciudad para hacer realidad sus sueños culinarios, desencadenando una aventura encantadora, ingeniosa y conmovedora. Sus lecciones sobre cómo reavivar nuestra pasión, incluso cuando hace tiempo que se ha convertido en monotonía, perduran mucho después del festín.

Podríamos decir que es la Secreto en la montaña lesbiana: una conmovedora historia de amor entre personas del mismo sexo con grandes estrellas (Cate Blanchett, Rooney Mara), apolítica excepto porque existe, ambientada en una época (en este caso, la década de 1950) en la que los homosexuales sobrevivían gracias al autoencarcelamiento (fíjate en cómo las persianas del motel en Carol proyectan sombras que parecen los barrotes de una prisión). Sin embargo, Carol termina con una nota ligeramente más feliz. La madre de alta sociedad interpretada por Blanchett debe renunciar a la custodia de su querida hija, pero al menos ya no teme su sexualidad. La joven fotógrafa interpretada por Rooney lo dice en voz alta al final: “No tengo miedo”.

El poder de las estrellas nunca ha sido tan brillante como en la nueva versión de Steven Soderbergh de la película de atracos del Rat Pack de 1960. Esta versión empareja a George Clooney en su faceta más fina con un pícaro Brad Pitt de cabello puntiagudo en una osada aventura que mantiene la tensión alta sin dejar de ser impecablemente elegante y estilosa. Todos los miembros del equipo de Danny Ocean son una delicia, incluidos Elliott Gould con gafas extragrandes y Don Cheadle con acento británico. Además, Soderbergh confiere a Las Vegas un aura de ensueño que hace juego con las celebridades de la pantalla.

Elegida por Joel Kim Booster

Ésta es para los marginados. El drama de Tomas Alfredson, que se desarrolla en su mayor parte con una fría sensación de calma, sigue la amistad entre un chico indiferente, Oskar (Kare Hedebrant), y su poco convencional vecina, Eli (Lina Leandersson), quien podría ser un vampiro. La película es templada, sangrienta cuando es necesario, pero comprensiva con los retos de sus protagonistas y generosa en la forma en que retrata su conexión mientras empuja el género de película de vampiros en nuevas direcciones.

Elegida por Jemaine Clement

Qué inquietante viaje mental ofrece Jonathan Glazer en esta emocionante película de suspenso. Scarlett Johansson interpreta a una alienígena con una mirada sugerente que hace que los hombres se despojen de sus ropas y la sigan hacia un vacío líquido. Las imágenes son hipnotizantes y perturbadoras a la vez. Es una película lírica de combustión lenta, con una banda sonora de Mica Levi que intensifica el terror. Y la imponente presencia de Johansson puede hacer que tú también la sigas al vacío.

“¿Cuántas bombas has desactivado?”, pregunta un oficial al sargento James (Jeremy Renner), quien acaba de apagar un vehículo en llamas y neutralizar su maletero lleno de explosivos. “Ochocientos setenta y tres, señor”, responde. Kathryn Bigelow se convirtió en la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección por esta estremecedora película sobre un equipo de artillería estadounidense en Irak. Al capturar la guerra del siglo XXI de los insurgentes y los artefactos explosivos improvisados en las carreteras, The Hurt Locker también examina la psique de un adicto a la adrenalina que se siente más a gusto en un traje antiexplosivos que en un pasillo del supermercado.

Tras 16 años de ausencia, Todd Field regresó a la dirección con la que quizá sea la película más representativa de la era de la cultura de la cancelación. Cate Blanchett interpreta a Lydia Tár, una virtuosa directora de orquesta con camisas perfectamente a la medida y una vena arrogante que es a la vez su activo más importante y su perdición. El truco de Tár es que Field y Blanchett construyen a Lydia con tal meticulosidad que a veces cuesta recordar que no es una persona real. Y teniendo en cuenta que se trata de un análisis profundo del poder, a menudo también resulta hilarante.

Elegida por Matthew Weiner

En primera plana, una historia detectivesca sobre periodistas que descubren los esfuerzos de la arquidiócesis de Boston por ocultar un enorme escándalo de abusos sexuales a menores, es un relato sobrio sobre héroes que persiguen tenazmente la verdad. Esta ganadora del Oscar a la mejor película fue muy apreciada precisamente porque carecía de los grandes discursos y de las escenas retrospectivas explotadoras que suelen acompañar a los dramas periodísticos y, en su lugar, se comprometía con los detalles poco glamurosos de un trabajo a menudo poco glamuroso.

El padre de la bomba atómica, y por tanto de nuestra era apocalíptica, proporciona al director Christopher Nolan un tema ideal para su obra maestra. Nolan está obsesionado con la colisión entre ciencia y humanismo; al estructurar la película explícitamente en torno a las formas en que se crea el poder —fisión y fusión, una generativa y otra destructiva— ha hecho una epopeya operística que es historia, suspenso y advertencia, todo en uno.

Elegida por Stephen King

Un ejemplo perfecto de narrador poco fiable, Perdida lleva la trama de “su palabra contra la mía” a nuevas cotas. Escrita por Gillian Flynn, autora de la exitosa novela en la que se basa, la película ofrece versiones contradictorias del matrimonio entre la sofisticada y urbana Amy y Nick, quien es del medio oeste rural de Estados Unidos, interpretados con una precisión impecable por Rosamund Pike y Ben Affleck, y nos mantiene a la expectativa sobre quién es el héroe y quién el villano. Al final, ¿hay algún ganador en el reino de la domesticidad tóxica?

Ojalá todas las familias disfuncionales se apoyaran así en los sueños de los demás. Quizá esa sea la moraleja de Pequeña Miss Sunshine, que se centra en los abatidos y eclécticos Hoover, entre los que se encuentran un tío suicida, un abuelo heroinómano y un padre siempre buscando la próxima forma de hacerse rico rápidamente. Todos se suben a una furgoneta Volkswagen para dar a su hija Olive (Abigail Breslin) la oportunidad de ganar un concurso de belleza infantil. Mitad película de carretera cómica, mitad comentario sobre los Estados Unidos contemporáneos, Pequeña Miss Sunshine deleita tanto por su corazón como por sus impresionantes interpretaciones.

Este thriller de Christopher Nolan destaca por su ingeniosa estructura: comienza al final de la historia y retrocede escena a escena. La narrativa inconexa nos da una idea de cómo es la vida de Leonard (Guy Pearce), quien no puede almacenar recuerdos a corto plazo y se tatúa el cuerpo con pistas sobre el asesinato de su esposa. Es un rompecabezas ingenioso, pero lo que hace inolvidable a Memento es lo que dice sobre la identidad y las historias que nos contamos sobre nosotros mismos, hasta su sorpresivo final… o principio.

Nunca antes los tiroteos, las puñaladas, las palizas, las decapitaciones, las destripaciones, las amputaciones, las mutilaciones, las incisiones, los cortes, los hachazos y las mordidas habían sido tan divertidos. El personaje de Uma Thurman, La Novia, despierta de un coma y jura vengarse de sus agresores con nombres en clave, entre los que se incluye a Cottonmouth (Lucy Liu), que lleva kimono y empuña una katana, y la aparentemente normal Copperhead (Vivica A. Fox), quien guarda una pistola en la caja de cereales de su hija. Quentin Tarantino utiliza con cariño los estilos del cine de serie B —spaghetti western, kung fu, anime, grindhouse— para contar su historia sombría.

Elegida por Arian Moayed

Un infernal profesor de música (JK Simmons) y su arrogante discípulo (Miles Teller) se enzarzan en una fascinante batalla de voluntades. El director Damien Chazelle ha dicho que se inspiró en Nacido para matar de Stanley Kubrick para explorar la idea de que la excelencia musical, como el combate, exige una disciplina total y la entrega de uno mismo. La intensísima Whiplash —el solo final de batería te hará sudar la gota gorda— ganó tres Oscar, uno de ellos para Simmons, y consagró a Chazelle, que entonces tenía solo 29 años, como uno de los cineastas más prometedores de su generación.

Elegida por Tramell Tillman

Casi una década antes de sus célebres papeles en Anatomía de una caída y Zona de interés, la actriz alemana Sandra Hüller coprotagonizó este estudio de doble carácter sobre una arribista muy tensa y su anciano padre bromista (Peter Simonischek). Cuando papá hace una repentina visita sin previo aviso a su hija semidistanciada en Bucarest, lo que sigue es un desfile dadaísta de karaoke forzado, desnudos espontáneos y folclore búlgaro prestado, en el que no se desperdicia ni uno de los desgreñados, surrealistas y, de algún modo, profundamente humanos 162 minutos de la película.

“Cuando el padre hace que su hija cante ‘The Greatest Love of All’ en la fiesta, ella desafina por completo y Sandra Hüller es una cantante realmente buena. No solo es increíblemente revelador, sino también divertidísimo y uno de los mejores momentos de interpretación que he visto en los últimos 25 años”.

John Turturro, actor

Podría decirse que Diamantes en bruto es una de las películas más angustiosas de lo que llevamos de siglo. Los hermanos Safdie han realizado un divertidísimo estudio de carácter sobre Howard Ratner (Adam Sandler), un distribuidor de diamantes judío con problemas de ludopatía. La película es tan abrasiva como Howard, que está constantemente en una crisis de su propia cosecha mientras intenta evitar la ira de su mujer (Idina Menzel), los secuaces de un usurero y la superestrella del baloncesto Kevin Garnett, quien se ha quedado prendado de un ópalo que Howard ha importado de Etiopía.

Cuando se estrenó esta cinta, Christopher Guest ya dominaba el género del falso documental con El experto. Sin embargo, encontró el tema perfecto en el estrafalario mundo de las exposiciones caninas de élite. Su fiel grupo de improvisadores creó personajes imborrables a partir de obsesivos caninos, como la yupi amante de los catálogos de una Parker Posey con frenillos y un Weimaraner, y el cantor dueño de un terrier de Eugene Levy, quien literalmente tiene dos pies izquierdos. A pesar de lo disparatado que es todo, hay una dulzura dirigida a estos bobalicones y sus peluditos.

Elegida por Julianne Nicholson

Esta película de Paul Thomas Anderson, una peculiar maravilla, incorpora la chifladura de una comedia absurda y la seriedad de un drama romántico, con la mejor interpretación de Adam Sandler en su carrera. Sandler revela una capa tras otra como un vendedor socialmente torpe que se enamora de una mujer tímida (Emily Watson). Los dos son una pareja hecha en el paraíso estrafalario, en una película que celebra lo excéntrico que todos llevamos dentro.

“Hay una escena en la que Sandler llama a Philip Seymour Hoffman el Rey del Colchón, y se enfada tanto… es increíble, es capaz de coger su rabia volcánica y aterrizarla de verdad. La película parece un mundo completo que crees que existe, y que cuando se acaba ellos siguen con sus vidas”.

Benny Safdie, actor y director

El éxito de Batman: el caballero de la noche dio a Christopher Nolan la libertad de ampliar los límites de su imaginación y las fronteras del cine comercial. Leonardo DiCaprio interpreta al jefe de un equipo de invasores de sueños encargados de plantar una idea en lo más profundo del subconsciente de un heredero magnate de los negocios (Cillian Murphy, el futuro J. Robert Oppenheimer de Nolan). El guionista y director juega continuamente con la estructura narrativa, el diseño visual y la capacidad del cine para manipular el tiempo. El final hace con los pequeños trompos lo que Blade Runner hizo con los unicornios de origami.

Elegida por Uzo Aduba

Este oscuro cuento de hadas ambientado en la España franquista fue la película que propulsó a Guillermo del Toro desde el cine de terror y las adaptaciones de cómics al mundo del cine de prestigio, aunque con su característico humanismo, realismo mágico y magníficas creaciones de criaturas. La película se centra en la joven Ofelia, quien escapa de sus sombrías circunstancias —especialmente de la vida bajo el dominio de su nuevo padrastro fascista— adentrándose en un espacio imaginario donde un fauno místico la embarca en una búsqueda para demostrar su valía. Esta alegoría visualmente deslumbrante afirmó a del Toro como uno de nuestros mejores cineastas actuales.

Elegida por Brett Goldstein

Sacha Baron Cohen le gastó a Estados Unidos una broma pesada meticulosa y divertidísima cuando llevó a Borat Sagdiyev, el reportero de televisión kazajo al que había interpretado en la serie Da Ali G Show, a las pantallas de cine. Mientras Borat recorre el país con la esperanza de conocer a Pamela Anderson, tiene alarmantemente pocos problemas para conseguir que los desconocidos dejen caer sus máscaras: en un rodeo, a los espectadores parece molestarles menos que Borat pida a George W. Bush que “beba la sangre de todos los hombres, mujeres y niños de Irak” que cante el supuesto himno nacional de Kazajistán.

“Yo era uno de los muchos guionistas cuando Todd Phillips estaba trabajando en ella. Luego tuve que volver al trabajo en The King of Queens, así que no pude seguir cuando trajeron al nuevo director, Larry Charles. Es un gran ejemplo de que muchas de tus películas favoritas comenzaron como desastres. No solo rescataron esa película, sino que la llevaron a otro nivel”.

Patton Oswalt, comediante

El cineasta griego Yorgos Lanthimos analiza la historia británica a través de su propia lente ojo de pez en esta versión atrevidamente pervertida de la vida de la reina Ana, interpretada aquí como una gobernante desesperada y enferma por Olivia Colman, en una actuación ganadora de un Óscar. Las dos mujeres que compiten por el caprichoso afecto de Ana son la dominante Sarah (Rachel Weisz) y la manipuladora Abigail (Emma Stone), cada una en su propia búsqueda del poder. En una película llena de deliciosas ocurrencias, Lanthimos se inclina por la inmundicia, tanto corporal como de otro tipo.

Elegida por Naomie Harris

La película de Steve McQueen rompió todas las reglas: una historia profundamente estadounidense de un director y una estrella británicos (Chiwetel Ejiofor); un drama de época protagonizado por actores negros que recaudó más de 130 millones de dólares internacionales; un lúcido juicio de la esclavitud que ganó el Oscar a la mejor película. A partir de la asombrosa autobiografía de Solomon Northup, un hombre negro libre secuestrado para ser esclavo a mediados del siglo XIX, McQueen creó una Odisea estadounidense increíblemente ambiciosa e improbablemente poética que revela más sobre la humanidad, el poder, la intolerancia y la gracia que gran parte de los 100 años anteriores de cine político estadounidense juntos.

“Es difícil expresar con palabras lo importante que fue la película para mí. Tuvo un impacto que se extendió mucho más allá de Estados Unidos. Al viajar por los aeropuertos, la gente me paraba para hablarme de su propia experiencia, de su propia vida, a veces de su propio racismo. Entonces no nos dábamos cuenta, pero era una época muy abierta. La gente era muy receptiva a escuchar la historia y a tratar realmente de comprender la historia”.

Chiwetel Ejiofor sobre protagonizar 12 años de esclavitud

Pixar en su apogeo de asunción de riesgos. Un viudo cascarrabias de 78 años se aferra al pasado mientras tiene dificultades para procesar un duelo que le impide establecer nuevos vínculos. Algunas escenas iniciales son en blanco y negro; otras no tienen diálogo. En algunos tramos, al director Pete Docter le interesa más la sensación que la narración lineal. La segunda mitad de la película —después de que la casa se aleja flotando— se vuelve más abiertamente comercial, con Russell, un niño parlanchín; Dug, un perro con un collar mágico; Kevin, un pájaro mítico; y un inesperado antagonista que proporciona aventura y un toque cómico.

Elegida por Mike Birbiglia

Se supone que uno no debe hacer una secuela de una historia de amor. Sin duda, es difícil imaginar cómo se podría mejorar Antes del amanecer, la joya de Richard Linklater de 1995 sobre dos veinteañeros (Ethan Hawke y Julie Delpy) que se enamoran en un tren desde Budapest. Pero el paso del tiempo añade intensidad, y cuando Antes del atardecer reúne a esos amantes desafortunados en sus treintitantos, el bagaje emocional que han acumulado entretanto hace que su segundo intento en el amor sea aún más envolvente.

¿En quién puedes confiar en el Berlín Este de alrededor de 1984? Las vidas de los otros —amigos, vecinos, compañeros de trabajo caprichosos— son asunto de cualquiera en el tenso e inquietante drama de Florian Henckel von Donnersmarck sobre un elegante dramaturgo, su amante que es actriz de teatro y el agente de la Stasi encargado de vigilar sus lealtades. Lo que está en juego no podría ser mayor, pero la línea de base emocional de la película es a la vez silenciosa y devastadora, un acto en la cuerda floja de revelación y conformidad.

Elegida por Matthew Weiner

La comedia dramática semiautobiográfica de Cameron Crowe sobre un periodista de secundaria obsesionado con el rock ‘n’ roll que se va de gira con una banda emergente se ha convertido casi en un icono, con aforismos como “No puedes hacerte amigo de las estrellas del rock”. Con una banda sonora de Cat Stevens, Yes y Elton John, Crowe da vida al embriagador ambiente del rock de la década de 1970, con un enigmático guitarrista (Billy Crudup) y una fascinante “no grupi” (Kate Hudson). Sin embargo, la película también es muy lúcida sobre los peligros de perseguir la fama.

Elegida por Mikey Madison

Ésta es la película de Alfonso Cuarón para sí mismo. Después de dedicar sus 40 años y principios de sus 50 principalmente a fantasías de gran presupuesto, el virtuoso mexicano se volcó en esta deslumbrantemente mundana pieza de memoria en blanco y negro. Yalitza Aparicio interpreta a Cleo, criada de una familia de clase media de Ciudad de México en la década de 1970. Surgen problemas, ordinarios y de otro tipo. Su tranquila abnegación les ayuda a salir adelante. Cuarón ganó el Oscar por la dirección y la fotografía.

Elegida por John Lithgow

Moneyball no solo describe el éxito real de los Atléticos de Oakland, un equipo de béisbol subestimado en 2002. Describe una estrategia para ganar, tanto en los negocios como en el béisbol. Basada en el libro de Michael Lewis, este drama de Bennett Miller está protagonizado por Brad Pitt en el papel de Billy Beane, el director general que, junto con un ayudante (Jonah Hill), utiliza datos para reunir un equipo de jugadores infravalorados. Con Philip Seymour Hoffman metido de lleno en su papel de escéptico mánager de los A’s, Moneyball captura la crueldad y el romanticismo del béisbol en una época en la que las ideas impopulares demostraron que, literalmente, habían cambiado el juego.

Al igual que la Nueva York de Martin Scorsese o la Roma de Federico Fellini, Los Ángeles de Quentin Tarantino es algo digno de contemplar: la febril carta de amor del director a su ciudad natal en torno a 1969 es un sueño gonzo-maximalista, que abarca a una estrella de televisión ficticia en decadencia (Leonardo DiCaprio), a su parco doble de acción y compinche (Brad Pitt), a un montón de fanáticos de la familia Manson y a la estrella real Sharon Tate (interpretada por Margot Robbie en un despliegue de pura alegría rubia). A partir de ahí, el guion rompe con la historia establecida, construyendo uno de los finales con más bravura y extravagancia de la historia del cine.

Elegida por Edgar Wright

La película intermedia de la Trilogía de la Venganza del director surcoreano Park Chan-wook golpea como un martillo: en la cabeza, en la pierna, en el brazo y en cualquier otro sitio donde su protagonista pueda golpear mientras lucha por salir de un pasillo lleno de matones. Esa célebre secuencia de acción es emblemática de los niveles operísticos de violencia de este retorcido thriller, pero sus emociones también se llevan al extremo: Oldboy provoca e inquieta hasta su inquietante y ambiguo fotograma final.

“Es romántica, es repugnante, es divertida. Simplemente te atrapa. Creo que [el protagonista, Choi Min-sik] es increíble. Su melena… solo quiero pasarle las manos por el pelo”.

John Turturro, actor

Los admiradores aún están desentrañando el sexto y más elíptico largometraje de Paul Thomas Anderson, sobre la relación entre un veterano de la Segunda Guerra Mundial (Joaquin Phoenix), a la deriva y emocionalmente regresivo, y el líder de una secta (Philip Seymour Hoffman), quien es su opuesto físico y temperamental. La extraordinaria evocación de la época por parte del diseño de producción, el brillante detalle de las imágenes (Anderson revivió el casi obsoleto formato de 65 milímetros para rodarla) y la intensidad de las interpretaciones —incluida la de Amy Adams como esposa del líder de la secta— contribuyen a la durabilidad y el misterio de la película.

Elegida por Will Sharpe

“Los tiempos son duros para los soñadores”, dice un personaje en este sorprendente éxito que se recuerda sobre todo como una mezcla de comedia romántica y efectos mágicos. Pero deja a un lado momentos como el de una mujer con el corazón roto que se disuelve en un charco. El director Jean-Pierre Jeunet tiene una visión clara y muy divertida tanto de las personas como del amor. Esa frase, por ejemplo, la pronuncia la dependienta de un emporio del porno. Y cuando un posible pretendiente le dice al objeto de su afecto: “Eres hermosa cuando te ruborizas”, ella responde: “Es mi dispepsia”.

Esta épica historia familiar multigeneracional, escrita y dirigida por Edward Yang, equilibra la poesía sublime con el drama explosivo. Rodada de forma magistral en Taiwán y Japón, la película sigue a tres miembros de la familia Jian después de que su matriarca haya entrado en coma. Mientras se enfrentan a la banalidad de sus vidas, intentan encontrarle sentido a través de la música, los recuerdos y, sobre todo, las fotografías, incluidas las que toma un niño de ocho años dotado de una sabiduría sobrenatural de la nuca de las personas, para mostrarles lo que no pueden ver por sí mismos, algo que Yang consigue con esta singular película.

Elegida por Brit Marling

“¿No crees que quizá sean lo mismo, el amor y la atención?”. Esta pregunta, planteada a la estudiante de secundaria Christine “Lady Bird” McPherson, es el eje central del innovador trabajo de Greta Gerwig como directora. Lady Bird (Saoirse Ronan) está tan acostumbrada a catalogar las cosas que la frustran, desde su madre controladora (Laurie Metcalf) hasta las indignidades provincianas de su ciudad natal, Sacramento, que apenas se da cuenta de que la atención y el afecto están interrelacionados. Como adolescente, Lady Bird se protege con una coraza, pero Gerwig descubre el corazón vulnerable que late debajo.

Elegida por Amy Pascal

En el drama histórico, silenciosamente conmovedor, de Céline Sciamma, dos mujeres del siglo XVIII, la aristócrata Héloïse (Adèle Haenel) y la artista Marianne (Noémie Merlant), se enamoran en secreto y de forma apasionada en la costa francesa. Pero esta no es la típica saga de deseo prohibido, y estas mujeres no se hacen ilusiones, aunque sufren mucho con el reloj marcando el tiempo que se cierne sobre ellas como una soga para ahorcados. Héloïse está comprometida para casarse con un noble milanés. Y la escena final, mucho después de que se hayan separado, es una muestra inquebrantable y desgarradora de las secuelas de la subordinación social y el abandono de una misma.

¿Las mejores historias de amor son realmente las que tratan sobre el desamor? En la obra maestra de Luca Guadagnino, Elio (Timothée Chalamet en su papel revelación) y Oliver (Armie Hammer) viven un tierno y juguetón romance de verano en el norte de Italia. Pero es el desenlace de su aventura lo que da profundidad a la película: la llamada llorosa de Elio a su madre, la gentil sabiduría de su padre y la inolvidable escena final en la que Elio madura ante nuestros ojos. Incluso cuando el amor es efímero, puede transformarnos de maneras que perduran para siempre.

Elegida por Molly Ringwald

Los hermanos Coen hilan los recuerdos de su infancia en la Minnesota de finales de la década de 1960 en una comedia oscura tan enrevesada como un pasaje talmúdico. Michael Stuhlbarg interpreta a Larry Gopnik, un profesor de física acosado simultáneamente por un estudiante descontento, un hermano caprichoso, un comité de titularidad, el bar mitzvah de un hijo y una separación espoleada por un tipo llamado Sy Ableman. ¿Lo está poniendo Dios a prueba? ¿Tiene la respuesta la historia de un rabino sobre los “dientes de un gentil”? Es la película más judía de los Coen y, aparte de El gran Lebowski, una buena candidata para ser la más citable.

“No tiene nada que ver con que me guste la película, pero yo quería el papel de Richard Kind en esa película. Es una de las pocas veces que mi faceta de cinéfilo se impuso a mi faceta de actor. Recuerdo que les dije a Joel y Ethan: ‘Miren, tengo muchas ganas de trabajar. Tengo muchísimas ganas de salir en una película de los hermanos Coen, pero deberían darle el papel a Richard Kind. Es perfecto’”.

Patton Oswalt, comediante

Lamentablemente, las líneas generales de esta historia —un adolescente es enviado a prisión y sale convertido en un delincuente curtido— no sorprenden. Pero Jacques Audiard se centra en los detalles, incluso utiliza planos del iris para dirigir nuestra atención, mientras Malik, un adolescente francés analfabeto de ascendencia árabe, utiliza su inteligencia no solo para sobrevivir, sino para salir adelante. Malik (un Tahar Rahim tremendamente sutil) es también un representante de los jóvenes musulmanes que se enfrentan a los prejuicios y a la falta de oportunidades en los suburbios de Francia. En los años transcurridos desde su estreno, este drama solo ha adquirido mayor relevancia.

“Su realismo me impactó mucho. No había nada reprimido. Me dio una visión de un mundo del que no tenía ni idea, y sentí que me decía la verdad. Me pareció peligroso, casi como: ‘¿Cómo se me permite ver esto?’”.

Benny Safdie, actor y director

La película de mayor inventiva formal de Pixar carece básicamente de palabras durante el primer acto, en el que el último robot de la Tierra se dedica fielmente a limpiar lo que ensuciaron los humanos ausentes. Sin embargo, una vez que llega al cielo, Wall-E es una fábula sobre el consumo excesivo y el clima que solo se ha vuelto más realista. El final, aparentemente alegre en la superficie, es también una sombría advertencia a la que aún no hemos prestado atención.

Elegida por Nathan Lane

En este drama de Asghar Farhadi, ambientado en Teherán, una pareja está en medio de una ruptura, pero estancada: un juez ha denegado la solicitud de divorcio. Mientras la esposa, Simin, se refugia en casa de su madre, una serie de giros y vueltas llevan al marido, Nader, a los tribunales, acusado de asesinato tras contratar a una mujer para que cuidara de su padre enfermo. Llena de misterio y ambigüedad moral, esta película de suspenso judicial se convirtió en la primera película iraní en ganar el Óscar a la mejor película extranjera.

En 2011, la historia de Annie (Kristen Wiig), una mujer sin suerte, Lillian (Maya Rudolph), su mejor amiga que se acaba de comprometer, y la adinerada amiga de Lillian (Rose Byrne), inspiró debates sobre la mujer, la comedia desagradable y el poder de la taquilla. Hoy en día, el guion de Wiig y Annie Mumolo sigue siendo divertidísimo, con personajes secundarios impresionantemente complejos (la loca futura cuñada que interpreta Melissa McCarthy, la madre chiflada de Jill Clayburgh). Lo que sorprende es lo profundamente sentida que es esta película de Paul Feig: Annie es triste y celosa, incapaz de parar de autosabotearse. Todos hemos pasado por eso, aunque quizá no con diarrea explosiva.

Elegida por Phoebe Robinson

La película de gángsters e informantes que finalmente le valió el Oscar a Martin Scorsese es una de las más divertidas del siglo. Scorsese toma la película de Hong Kong Infernal Affairs y la sitúa en Boston, con banda sonora de Dropkick Murphys y todo. A un lado de la ley está el rudo policía de Leonardo DiCaprio que se hace pasar por criminal. En el otro, Matt Damon, el chico estrella de la policía que trabaja para la mafia. En medio está el jefe de la mafia irlandesa interpretado por Jack Nicholson, sonriendo como el Gato de Cheshire. Que empiece el juego.

“Es una película tan profundamente repleta de ideas que no hay forma de que tu mente se desvíe a otro lugar que no sea dentro de la película. Ah, y también tiene un final polarizador que podría ser también uno de los mejores de todos los tiempos”.

Josh Safdie, director

La segunda película de Sofia Coppola es un milagro cinematográfico: ingeniosa sin esfuerzo, citada hasta la saciedad, imposible de imitar. Rodada en el Park Hyatt Tokyo (donde Coppola se alojó mientras contemplaba el fin de su primer matrimonio), sigue a la enigmática pareja formada por Bob y Charlotte (Bill Murray y Scarlett Johansson), un actor de cine en decadencia y una licenciada en filosofía en apuros cuyos caminos se cruzan en el momento justo para reconocer que son almas gemelas. Perdidos en Tokio le valió a Coppola un Oscar y consolidó su estatus como nueva voz esencial del cine estadounidense.

La lírica película de extraterrestres de Denis Villeneuve, basada en un relato corto de Ted Chiang, es la ciencia ficción en su aspecto más devastador emocionalmente. Cuando una misteriosa nave extraterrestre aterriza en la Tierra, una lingüista interpretada por Amy Adams, en el mejor papel de su carrera, es reclutada para intentar hablar con los seres tentaculares conocidos como heptápodos. La llegada, que es más una saga sobre la comunicación que sobre la invasión, es embriagadoramente misteriosa hasta que te golpea con su devastador final temporal.

Elegida por Min Jin Lee

La indiferencia hacia los superhéroes no es un requisito previo para hacer una gran película sobre ellos. Pero la alergia de Christopher Nolan a la lógica de los cómics y su fascinación por el canon del cine policíaco para adultos (especialmente Fuego contra fuego y El padrino) revitalizaron a un personaje que aún luchaba por salir del miasma de Batman y Robin. La segunda entrega y punto álgido de la trilogía, Batman: el caballero de la noche, de Nolan, plantea preguntas fructíferas sobre la ingenuidad del código moral de su protagonista. Pero el mayor activo de la película es Heath Ledger, cuya asombrosa interpretación del Joker estableció para siempre el listón para los supervillanos posteriores.

El ladrón de orquídeas, dirigida por Spike Jonze y escrita aparentemente por Charlie Kaufman y su hermano gemelo, Donald, que en realidad no existe, tiene un virtuosismo de juego de ilusiones. Es una adaptación de un libro que en realidad trata de lo imposible que es adaptar un libro; es un estudio de las neurosis y el valor y la pasión obsesiva; y sobre todo es una película increíblemente divertida, con una deliciosa interpretación dual de Nicolas Cage como ambos Kaufman.

No se trata exactamente de un “mi palabra contra la tuya”, ya que el marido defenestrado en cuestión ya está muerto desde casi el principio, pero la tensa y elegante disección de Justine Triet de un matrimonio tumultuoso es a la vez forense y emocionantemente ambigua. En el papel de la esposa que puede o no haber empujado a su media naranja por la ventana de un chalet, Sandra Hüller, que fue nominada al Óscar por este papel, ofrece una lección magistral de furia contenida, indignación y verdades desagradables que ella (y Triet) nunca revelarán.

Elegida por Tramell Tillman

No te atrevas a llamar “chic” al delicioso drama sobre la moda de la década de 1950 de Paul Thomas Anderson. El diseñador Reynolds Woodcock, interpretado por Daniel Day-Lewis, te arrancaría la cabeza. Esta película, suntuosa y subversiva, narra la historia de amor entre el exigente Reynolds y su incontrolable musa, Alma (Vicky Krieps). Él es irritable y se perturba con facilidad; ella se deleita sacándolo de quicio. Puede parecer que Anderson investiga los desequilibrios de poder en las relaciones, pero en realidad es la historia de un hombre que encuentra a su igual. A disfrutar.

Elegida por Pedro Almodóvar

Evitando las superficies duras y brillantes de la mayoría de la ciencia ficción especulativa por algo más extraño y agridulce, el romance digital de Spike Jonze sigue a un solitario introvertido bigotudo (Joaquin Phoenix) en Los Ángeles de un futuro cercano, mientras se enamora perdidamente de un sistema operativo adaptable al que pone voz Scarlett Johansson. ¿Se trata de verdadero amor de máquina o solo del rechazo patológico de la intimidad por parte de un hombre adulto? Her rechaza las respuestas fáciles, aunque las numerosas preguntas que plantea parecen mucho menos teóricas hoy que en 2013.

Elegida por Tony Hale

Un concepto audaz —la película se rodó, de forma intermitente, a lo largo de más de una década— se encuentra con una ejecución cautivadoramente discreta en el agudo y pausado retrato de Richard Linklater de un niño de un pequeño pueblo de Texas (Ellar Coltrane) que navega por el divorcio de sus padres, sus primeros enamoramientos y otras tribulaciones y triunfos de la adolescencia. El resultado es un drama de madurez de una belleza poco común, punzante y dulce a la vez.

“Creo que Linklater tuvo la audacia y el enfoque humano. La vimos cuando mi hijo era más pequeño. Luego volví a verla cuando iba a ir a la universidad, y eso casi me mata. Se me saltaron las lágrimas”.

John Turturro, actor

Las visiones coloridas de Wes Anderson pueden ser engañosas. La magnífica posada del título es una gloriosa confección rosa, pero hay mucho en juego: el fascismo se acerca rápidamente y los refugiados tienen buenas razones para temer a las autoridades en las fronteras de un país europeo ficticio. Esta historia entre guerras de un querido conserje (un magnífico Ralph Fiennes) que llama “cariño” tanto a hombres como a mujeres y se acuesta con todos sus amigos es, al final, profundamente conmovedora.

“Es la comedia más triste que he visto nunca, o la tragedia más hilarante que he visto jamás. Es un duelo por la civilidad y el discurso civil. Siento que es una advertencia para lo que estamos viviendo ahora mismo”.

Dennis Lehane, guionista

Antes de que su nombre se convirtiera en sinónimo de una estética distintiva y muy imitada, Wes Anderson era también un narrador realmente bueno. Su exploración de una excéntrica familia neoyorquina no escasea en clásicos weslianos: diálogos con cara seria, paletas Pantone de ensueño, elección de canciones de primera clase. Pero también es un retrato profundamente sentido y a menudo muy divertido de un patriarca emocionalmente distante (Gene Hackman) y su desordenada y exagerada prole, interpretada con exquisita agonía por Ben Stiller, Luke Wilson y Gwyneth Paltrow.

“Quizás fue la primera vez que vi a Gene Hackman. Ahora es uno de mis favoritos. Pero como Royal Tenenbaum, toda su relación con el personaje de Anjelica Houston y la forma en que recita sus líneas, es simplemente de otro nivel: “Me estoy muriendo. No me estoy muriendo. Sí, me estoy muriendo”.

Benny Safdie, actor y director

Más de un siglo después de los días de Pandillas de Nueva York, Martin Scorsese encuentra más bros del Bajo Manhattan portándose mal. Interpretando al infame corredor de bolsa Jordan Belfort (en cuyas memorias se basa la película), Leonardo DiCaprio rara vez ha sido tan divertido en la pantalla, ya sea lanzando langostas a los molestos agentes del FBI o tambaleándose por haber tomado demasiados Qualuudes. Inevitablemente, llega la caída, pero si parece que Belfort se libra bastante fácil, bueno, ¿no te suena eso a Wall Street?

“Es una película muy larga, pero no parece larga. Hay algo en su velocidad, en su energía. Me pregunto: ‘¿Cómo demonios hizo eso Scorsese a su edad? Aprovechar esa locura maníaca. Y también se adelantó a su tiempo: ahora Jordan Belfort está por todo Instagram con sus tácticas de venta”.

Benny Safdie, actor y director

Este drama, que fracasó en taquilla, funciona como un examen de la obsesión. El asesino en serie del título es obsesivo en la creación de un personaje. Los policías, obstaculizados por la burocracia (Mark Ruffalo y Anthony Edwards), persiguen obsesivamente las pistas, mientras que los periodistas, entre ellos el reportero alcohólico interpretado por Robert Downey Jr., hacen lo mismo. El hecho de que te sientas satisfecho cuando aparecen los créditos finales —a pesar de que la identidad de Zodiac sigue siendo un misterio— dice mucho de la obsesiva atención al detalle y la técnica de David Fincher.

“A veces se describe el trabajo de David Fincher como frío o austero, pero yo encuentro Zodiac increíblemente cálida y personal, porque veo mucho de él y de su forma de abordar el arte en ella. Está el personaje interpretado por Jake Gyllenhaal y luego este Zodiac fantasmal, algo que no se puede definir, y es casi como si él estuviera tratando de descubrir quién es Zodiac y nosotros estuviéramos tratando de descubrir qué diablos es esta película. Para mí, son las tres horas más cortas del mundo. Si la ponen, la veo una y otra vez. Me encanta”.

Barry Jenkins, director

El bildungsroman de Alfonso Cuarón trata muchos temas —la lujuria, las clases sociales, la amistad masculina, la mortalidad—, pero principalmente la lujuria. El sexo es lo único por lo que parecen vivir los estudiantes de secundaria Tenoch (Diego Luna) y Julio (Gael García Bernal), con sus novias, con las novias del otro y con una seductora parienta política que les inspira un viaje por carretera a una playa legendaria. Cuarón filma el sexo tal y como lo sienten sus personajes: ardiente, devorador, con el peso del mundo fuera de cámara. Al igual que la juventud misma, salimos de la película parpadeando, desorientados, rebuscando entre recuerdos como arena salpicada de oro.

“La película de vaqueros homosexuales” hizo algo más que iniciar conversaciones informales y ganar varios premios de la Academia (su derrota en la categoría de mejor película a manos de Crash sigue siendo un notorio cuco de la tradición de los Oscar). La austera y pausada película de vaqueros de Ang Lee convirtió un romance clandestino entre dos rancheros de Wyoming (Heath Ledger y Jake Gyllenhaal) en una de las grandes historias de amor trágicas del cine, tan bella estéticamente como emocionalmente demoledora.

Elegida por Ava DuVernay

Cuando Ang Lee estrenó esta obra maestra del wuxia protagonizada por Michelle Yeoh, Chow Yun-fat y Zhang Ziyi, la película cautivó tanto al público occidental como al oriental, algo poco habitual en aquella época, y batió récords de taquilla. Este drama de acción combina acrobáticas y aerodinámicas artes marciales con amores reprimidos y futuros prohibidos. Quedan grabadas en la memoria la confrontación entre la espadachina interpretada por Yeoh y la ladrona interpretada por Zhang, que utilizan multitud de armas, y la coreografía de espadas entre el guerrero interpretado por Chow y Zhang en un bosque de bambú.

Un adolescente obliga a otro más joven a matar a un niño aún más pequeño. La víctima se encoge dentro de un patio vallado que parece un parque infantil. A su lado llora otro niño, de unos cinco años, al que han disparado en el pie, para enviar un mensaje, pero también por diversión. Que una película pueda contener esta escena y, de alguna manera, hacerte sentir cualquier cosa menos náuseas es una prueba de su complejidad narrativa, su estilo visual y su carismático reparto. Es una meditación desgarradora pero poética sobre la supervivencia en la favela de Ciudade de Deus, en Río de Janeiro.

“La primera vez que la vi, sentí el calor, sentí el sudor en la espalda, sentí la presión, sentí las calles. Hay muy pocas películas que te sumergen con tanta precisión en un entorno”.

Chiwetel Ejiofor, actor

La historia de venganza de Quentin Tarantino ambientada en la Segunda Guerra Mundial es épica pero íntima: la vida y la muerte dependen de un gesto con la mano, de la cobertura de un postre, de un acento malo (no ese acento de algún lado de Tennessee que usa Brad Pitt, que es divertidísimo). Christoph Waltz destaca en un reparto repleto de estrellas y ganó el Óscar al mejor actor secundario. Pero después de que una conflagración de revisionismo histórico haya reducido esta película a cenizas, Pitt tiene la última palabra, y es difícil no oírla en la voz de Tarantino: “Creo que esta podría ser mi obra maestra”.

Elegida por Mel Brooks

Aunque el futuro cercano es sombrío en el drama de ciencia ficción de Alfonso Cuarón, casi todas las escenas son una belleza. Las mujeres se han vuelto infértiles y la esperanza para la raza humana es prácticamente nula, pero en un Reino Unido cerrado y hostil con los refugiados, un burócrata (Clive Owen) se encuentra en la posición de proteger a una recién llegada (Clare-Hope Ashitey), la única mujer embarazada del mundo. Las interpretaciones son muy realistas, la narrativa es profética y el trabajo de cámara de Emmanuel Lubezki es deslumbrante. Una secuencia de emboscada filmada en un solo plano desde el interior de un vehículo en movimiento te dejará boquiabierto.

“Lo más aterrador del fin del mundo no son las bombas. No son los extraños ataques a la gente ni el colapso de la civilización y la bondad más elemental. Es la gente que intenta desesperadamente seguir con su vida pase lo que pase”.

Patton Oswalt, cómico

La narración del Holocausto de Jonathan Glazer desafía las convenciones. Utilizando los huesos de la novela homónima de Martin Amis, Glazer se centra en la vida cotidiana del comandante de Auschwitz, Rudolf Höss (Christian Friedel), y de su esposa, Hedwig (Sandra Hüller), quienes residen en la casa de al lado. Se encargan del jardín con la banda sonora de los asesinatos en masa mientras la ceniza de los cuerpos humanos cae del cielo. Es una visión desorientadora que muestra lo fácil que es vivir con la monstruosidad, sacudiéndote de vez en cuando con la inquietante partitura de Mica Levi.

Elegida por Ziwe Fumudoh

En la cuarta entrega de la serie postapocalíptica de George Miller, el mundo sigue sediento de agua y Max (Tom Hardy) va de copiloto con Furiosa (Charlize Theron), una revolucionaria manca que conduce un camión. Repleta de cuerpos —humanos, mecanizados, mortalmente pálidos, brillantemente cromados—, la alucinación cinética y lunática de Miller te deja boquiabierto, tanto por sus escandalosos efectos visuales como por la profundidad de sus sentimientos. Ven por el tipo que toca una guitarra lanzallamas atado a un semirremolque en marcha, quédate por el réquiem por un mundo que se parece inquietante y devastadoramente al nuestro.

Menos una biografía que un destripamiento, la hipnóticamente poco halagadora y a menudo brutalmente divertida historia de origen dirigida por David Fincher sobre Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) y la creación de Facebook comienza con la ruptura de un hombre y una mujer. Al final de la película, el hombre es el multimillonario más solitario del mundo, haciendo clic compulsivamente en el botón de actualizar en su página de Facebook. Cuando se estrenó la película, parecía una versión casi cruel de una clásica historia de éxito estadounidense. Dado que las redes sociales han transformado radicalmente el mundo, la película parece ahora casi pintoresca, y no lo suficientemente cruel.

El cuento de hadas sobre la adolescencia dibujado a mano por Hayao Miyazaki es el Alicia en el país de las maravillas de nuestra época. Personajes inolvidables salen de una casa de baños mágica abandonada: el anciano de las calderas y sus duendes de hollín, el espíritu enmascarado Sin Rostro, Haku, el niño dragón, y, navegando entre todos ellos, la valiente Chihiro, cuyos despistados padres han sido convertidos en cerdos por una bruja. Uniendo a la perfección las preocupaciones del maestro de la animación —la corrupción del hombre hacia la naturaleza, la pérdida de la inocencia, las criaturas intimidantes que no son lo que parecen—, El viaje de Chihiro es una aventura fascinante con pocos iguales en el mundo del cine o en cualquier otro ámbito.

“Es una película para cualquier niño que haya perdido a sus padres en unos grandes almacenes o en una multitud. Es esa sensación en el estómago. Es una de las películas favoritas de mi hija. Hay muchas cosas que tienes que ver cuando eres padre, y es muy interesante descubrir algo con ellos al mismo tiempo”.

John Turturro, actor

Cuando Chris (Daniel Kaluuya), el héroe de esta histeria dirigida por Jordan Peele, visita a los padres de su novia blanca, es obvio que algo no va bien. Su madre se muestra extrañamente vigilante, su padre vergonzosamente adulador. Chris pronto descubre que la familia y sus amigos son esclavistas modernos que transplantan cerebros blancos a cuerpos negros. Con un ingenio mordaz, una gran sincronización y un control soberbio, Peele —que debuta como director de forma magnífica— utiliza las convenciones del género en una película que es a la vez una electrizante cinta de suspenso sobre los horrores de la supremacía blanca y una despiadada parodia de un Estados Unidos sin prejuicios raciales.

Elegida por Danielle Brooks

A veces aparece una película tan tremendamente creativa y maravillosamente extraña que te preguntas si la has soñado. Dirigida por Michel Gondry a partir de un guion de Charlie Kaufman, este sueño se aventura mucho más allá de la comedia romántica. Kate Winslet y Jim Carrey interpretan a una pareja que ha roto y decide borrar los recuerdos de su relación. La película, tan divertida como desgarradora, destaca lo mucho que nos marcan esos recuerdos, incluso los terribles.

“¿Qué es lo máximo que has perdido en un cara o cruz?”, le pregunta el amenazante asesino a sueldo Anton Chigurh (Javier Bardem) al propietario de una gasolinera, quien no se da cuenta de que ese día va a jugarse la vida. Chigurh roza lo sobrehumano mientras acecha a sus víctimas en esta película de suspenso policíaco neo-western que los hermanos Coen adaptaron de la sangrienta novela de Cormac McCarthy sobre la violencia y el destino. Hay largos tramos sin música ni diálogo, solo hombres luchando por sobrevivir. Pero, como dice uno de los personajes: “No puedes detener lo que viene”.

El peso de este delicado drama no se percibe hasta el final, pero cuando llega el desenlace, es abrumador. Barry Jenkins nos lleva con maestría a través de la vida de un hombre negro homosexual, interpretado en diferentes edades por Alex Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes. Luz de luna trata sobre todo lo que se necesita para convertirte en quien eres. Trata sobre la belleza y el amor que se cruzan en tu camino, lo que aceptas y lo que no. Y, en última instancia, trata sobre sentirse como un marginado, pero encontrar pacientemente y en silencio el camino a casa.

“Darme cuenta de que, durante los últimos 10 años, la película ha sido como un portal para que las personas en la adolescencia comprendan mejor quiénes son o cómo el mundo las entiende o no, no se me ocurrió que la película tendría la vida que ha tenido. Pensaba que solo estábamos creando juntos una obra de arte realmente genial”.

Barry Jenkins, director

Poco después de que un periodista casado (Tony Leung) y una secretaria casada (Maggie Cheung) se muden al mismo edificio abarrotado de Hong Kong en 1962, se rozan en una hipnotizante secuencia en cámara lenta. Las chispas no saltan, arden. Siguen ardiendo en este romance elegíaco y arrebatadoramente bello de Wong Kar-wai, en el que inscribe el deseo en cada mirada y en cada palabra no dicha. Aquí, la sensual curva de la espalda de la mujer se convierte en un emblema del anhelo, mientras que los hilos de humo del cigarro del hombre expresan el dolor de la impermanencia de la vida.

La obra maestra de Paul Thomas Anderson sobre la sangre y el petróleo, los hombres y sus dioses, comienza a finales del siglo XIX con un buscador de oro estadounidense, Daniel Plainview (un imponente Daniel Day-Lewis), solo en un profundo pozo, atacando la tierra. Sigue talando y aporreando (la tierra, otras personas) hasta convertirse en un barón del petróleo que arrasa con todo y con todos. El cine de Anderson puede dejarte boquiabierto —el inmenso trabajo de cámara habla de las ambiciones del protagonista y del director por igual—, al igual que las devastaciones medioambientales y espirituales que acechan a esta tragedia profundamente estadounidense.

“La palabra icónico es muy trillada. Pero ‘me bebo tu batido’ es icónica porque, en cuatro palabras extrañas e incongruentes (curiosamente, en tiempo presente), resume perfectamente a Daniel. Me encanta esta película, aunque creo que, en cierto modo, la película me odia”.

Jason Blum, productor

El perverso cuento de hadas de David Lynch sigue la espiral descendente de una joven actriz de ojos vivaces, Betty —la revelación Naomi Watts en una interpretación que definió su carrera—, quien tropieza con un peligroso misterio laberíntico poco después de llegar a Los Ángeles. Llena de dobles, esta es una de las películas más sombrías y terroríficas de Lynch, y una de las más devastadoras emocionalmente. También es una de las grandes películas sobre Hollywood, un oscuro mundo de espejos donde los sueños se convierten en pesadillas, lo que significa que también es una de las obras más autobiográficas de Lynch.

Una historia de ricos y pobres, y un feroz reproche a las devastaciones del neoliberalismo, la agradable, retorcida e inquietante cinta de Bong Joon Ho sigue a una familia necesitada mientras se insinúa en un hogar adinerado. Bong, un maestro del género sin ataduras a las convenciones, se mueve con fluidez entre la comedia y la sátira social, y luego lo incendia todo con un paroxismo de violencia trágica tan sorprendente como inevitable.

Cuando la película se estrenó en Estados Unidos, Bong era uno de los favoritos del circuito de cine de autor; cuando dejó las carteleras, él ya tenía un puñado de Oscars, incluido el de mejor película, y el mundo tenía una nueva superestrella.

Elegida por Julianne Moore

Fuente: Infobae