Avengers Endgame: Encore recaudó USD 91.506.985 en la taquilla mundial desde su regreso a los cines el 25 de septiembre, según Box Office Mojo. La nueva edición de la película de 2019 incluye material adicional que enlaza el desenlace de Avengers: Endgame con Avengers: Doomsday, cuyo estreno está programado para el 18 de diciembre de 2026.

El relanzamiento registró USD 31.826.985 en Estados Unidos y Canadá y USD 59.680.000 en los demás mercados, de acuerdo con Box Office Mojo. The Walt Disney Company había informado una estimación inicial de USD 86 millones durante el primer fin de semana, con USD 26 millones en el mercado doméstico y USD 60 millones en el internacional.

La película original cerró la Saga del Infinito de Marvel Studios en 2019 y mostró a Steve Rogers al regresar al pasado para permanecer junto a Peggy Carter. La reedición añade secuencias posteriores a ese desenlace y un adelanto de la próxima producción de los hermanos Russo, según Marvel y The Walt Disney Company.

¿Cuánto recaudó Avengers Endgame: Encore en la taquilla mundial?

Avengers Endgame: Encore acumuló USD 91.506.985 a nivel global hasta el 3 de octubre, según Box Office Mojo. La cifra comprende los ingresos obtenidos desde el inicio de su exhibición y supera en más de USD 5 millones la previsión que Disney divulgó tras los primeros días de funciones.

The Walt Disney Company informó el 27 de septiembre que la edición especial había alcanzado USD 86 millones en todo el mundo. De ese total, USD 26 millones correspondían a Estados Unidos y Canadá, mientras que los restantes USD 60 millones procedían de los mercados internacionales, de acuerdo con The Walt Disney Company.

La variación entre ambos registros responde a la incorporación de las recaudaciones de los días posteriores al estreno. Box Office Mojo actualiza los montos de cada lanzamiento conforme recibe información adicional de los circuitos de distribución y las salas de cine de distintos países.

El mercado internacional concentró cerca del 65% de los ingresos contabilizados hasta el 3 de octubre. Los USD 59,68 millones recaudados fuera de Estados Unidos y Canadá contrastan con los USD 31,82 millones del mercado doméstico, según Box Office Mojo.

Avengers: Endgame sumó USD 2.799.439.100 en la taquilla mundial antes del lanzamiento de la reedición de 2026. (Marvel Studios)

¿Cuánto dinero recaudó Avengers Endgame: Encore en Estados Unidos y Canadá?

En Estados Unidos y Canadá, Avengers Endgame: Encore recaudó USD 31.826.985 durante sus primeros días en cartelera, según Box Office Mojo. El dato incluye la apertura estimada en USD 26 millones por Disney y la facturación sumada durante la semana posterior.

El reestreno llegó a más de 3.000 salas de cine en esa región. Más de 1.300 de esos complejos ofrecieron funciones en Infinity Vision, una certificación para pantallas de gran formato que Disney desarrolló junto con exhibidores internacionales, de acuerdo con The Walt Disney Company.

La recaudación reciente se añade al desempeño histórico de la película en el mercado doméstico. Antes de este regreso a las salas, Avengers: Endgame había acumulado USD 858.373.000 en Estados Unidos y Canadá, según los registros de Box Office Mojo.

¿Cuánto recaudó Avengers Endgame en 2019 antes de su reestreno?

Antes de la reedición de 2026, Avengers: Endgame había recaudado USD 2.799.439.100 en todo el mundo, de acuerdo con Box Office Mojo. El total contempla la explotación comercial de la película desde su estreno original en abril de 2019 y las reposiciones realizadas antes de la actual campaña.

Durante sus primeros cinco días, la producción alcanzó USD 1.200 millones a nivel global, según datos publicados por Marvel Studios en abril de 2019. La compañía informó entonces que la película obtuvo USD 350 millones en Estados Unidos y Canadá durante sus primeros tres días de exhibición.

Disney situó la cifra acumulada de Endgame en USD 2.885 millones al término del primer fin de semana de Encore. De acuerdo con The Walt Disney Company, ese monto mantenía a la película en el segundo lugar histórico mundial y a USD 39 millones de Avatar, según el cálculo divulgado por la empresa en septiembre.

Más de 1.300 pantallas exhibieron la película en Infinity Vision, una tecnología para salas de gran formato creada por Disney. (Captura de video)

¿Qué es Infinity Vision y cuánto aportó al estreno de Avengers Endgame: Encore?

Infinity Vision es una certificación para salas de gran formato que requiere pantallas de mayor tamaño, proyección láser y sistemas de audio específicos, según The Walt Disney Company. Disney indicó que el estándar fue desarrollado junto con operadores de cines para el lanzamiento de esta edición.

Más de 1.300 salas proyectaron Avengers Endgame: Encore bajo ese formato durante el primer fin de semana. Esas pantallas aportaron cerca del 52% de los USD 86 millones que Disney estimó a nivel mundial en los primeros días de exhibición, de acuerdo con The Walt Disney Company.

La compañía no difundió una división de los ingresos de Infinity Vision por país ni por ciudad. Tampoco publicó el monto preciso obtenido por el formato en Estados Unidos y Canadá, aunque confirmó que la mayoría de las funciones de gran formato se concentraron en el inicio de la campaña, según Disney.

¿Qué escenas nuevas tiene Avengers Endgame: Encore?

La nueva edición incorpora secuencias que modifican el cierre conocido de Steve Rogers y Peggy Carter. Anthony Russo explicó que la película de 2019 fue concebida como el final de una etapa, aunque el desarrollo de Avengers: Doomsday llevó al equipo a revisar ese desenlace, según una entrevista publicada por Marvel.

“Hay un momento decisivo al final” de la nueva versión, afirmó Russo. El director señaló que la escena extiende un instante posterior a la despedida de Steve Rogers y Peggy Carter, y que allí comienza el vínculo con la próxima película, de acuerdo con Marvel. El estudio no divulgó todos los detalles argumentales de esa secuencia.

El material adicional también contiene un adelanto de Doctor Doom, personaje que interpretará Robert Downey Jr. en Avengers: Doomsday. Disney informó que una de las escenas muestra al villano junto a Bruce Banner, encarnado por Mark Ruffalo, aunque no explicó las circunstancias del encuentro ni el papel de Banner en la historia.

Otra secuencia transcurre en la Autoridad de Variación Temporal, conocida como TVA por su nombre en inglés. Allí aparecen Mobius, Casey y O.B. mientras observan el colapso simultáneo de distintas líneas temporales, según The Walt Disney Company. Joe Russo describió ese episodio como una situación en la que “todos” los universos comienzan a colapsar al mismo tiempo.

El material inédito incorpora una secuencia que muestra a Bruce Banner junto al personaje de Doctor Doom. (Captura de video)

¿Cuándo se estrena Avengers: Doomsday en Estados Unidos?

Avengers: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, según Marvel Studios y The Walt Disney Company. La película estará dirigida por Anthony y Joe Russo, quienes también dirigieron Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame.

Disney informó que Stephen McFeely escribió el guion y que Kevin Feige, Louis D’Esposito y Jonathan Schwartz figuran como productores. La compañía presentó parte del material de la película en CinemaCon y en D23, de acuerdo con The Walt Disney Company.

La información oficial señala que la historia reunirá a héroes de tres universos ante una amenaza relacionada con el multiverso. Marvel no publicó todavía una sinopsis completa ni precisó el origen del conflicto mostrado en el adelanto de Encore, según Marvel Studios.

¿Quiénes integran el elenco confirmado de Avengers: Doomsday?

El reparto anunciado incluye a Robert Downey Jr. como Victor von Doom, Chris Evans como Steve Rogers, Hayley Atwell como Peggy Carter, Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Paul Rudd, Florence Pugh, Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Joseph Quinn y Simu Liu, según Marvel.

También fueron confirmados Sebastian Stan, Letitia Wright, David Harbour, Wyatt Russell, Lewis Pullman, Danny Ramirez, Winston Duke, Hannah John-Kamen, Tom Hiddleston, Channing Tatum, Ian McKellen, Patrick Stewart, James Marsden, Kelsey Grammer, Alan Cumming, Rebecca Romijn, Mabel Cadena y Tenoch Huerta Mejía, de acuerdo con Marvel Studios.

Anthony Russo aclaró que la nómina difundida no representa la totalidad de las participaciones. “Hemos anunciado parte del elenco y no hemos anunciado parte del elenco”, declaró el director en un encuentro recogido por Marvel. La aparición de Mark Ruffalo en el material de Encore confirma la presencia de Bruce Banner en la nueva historia.

La secuela Avengers: Doomsday llegará a las salas de cine el 18 de diciembre de 2026 con la dirección de Anthony y Joe Russo. (Captura de tráiler oficial)

¿Cómo conecta Avengers Endgame con Avengers: Doomsday?

La conexión parte del final de Steve Rogers. Endgame mostró al personaje después de devolver las Gemas del Infinito y elegir una vida junto a Peggy Carter; la reedición añade una escena posterior que modifica el contexto de esa decisión, según Marvel.

Disney indicó que la próxima película reunirá a los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, personajes de Wakanda, Talokan, los Thunderbolts y los X-Men. El estudio no informó cómo se desarrollarán los encuentros entre esos grupos ni qué personajes tendrán un papel central en el conflicto, de acuerdo con The Walt Disney Company.

La recaudación de Avengers Endgame: Encore continuará actualizándose mientras siga en cartel. A menos de tres meses del estreno de Avengers: Doomsday, Marvel y Disney mantienen pendiente la difusión de nuevos detalles sobre el argumento y los integrantes restantes del elenco, según Box Office Mojo y Marvel Studios.

Fuente: INFOBAE

El cargo “Avengers Endgame: Encore” supera los USD 91 millones tras su regreso a los cines y vuelve a impulsar la taquilla de Marvel apareció primero en Radio Kollasuyo.

“He’s here, he’s there, he’s every fucking where: Roy Kent, Roy Kent!” (“Está aquí, está allí, está en todas malditas partes”), canta la fiel hinchada del Richmond al capitán de este equipo de fútbol inglés que pelea por salir del pozo en la serie Ted Lasso. Parece un presagio de lo que le esperaba a Brett Goldstein (Sutton, Reino Unido, 46 años), el actor que interpreta al arisco Kent, que desde que se coló en el reparto principal de la exitosa comedia de Apple TV —al principio iba a ser solo guionista—, ha pasado de ser prácticamente desconocido fuera del Reino Unido a protagonizar una comedia romántica con Jennifer Lopez, compartir serie con Harrison Ford y convertirse en el nuevo Hércules del universo Marvel. “Conseguía pequeños papeles como actor, hacía monólogos de comedia y editaba los guiones de otras personas. Siempre ganaba lo justo para poder pagar el alquiler e ir al cine”, confesó Goldstein a la edición británica de Men’s Health, cuya portada protagonizó el pasado agosto. “No conseguía dar el salto. Nadie veía nada de lo que hacía”, recordó.

El pasado 5 de agosto, en cambio, el primer capítulo de la cuarta temporada de Ted Lasso —el último se emitirá el 7 de octubre— se convirtió en el estreno más visto de la historia de Apple TV. “Sinceramente, no esperaba nada de Ted Lasso. Sabía que habíamos hecho algo especial, lo sentíamos mientras lo hacíamos, que tenía algo de magia, pero no esperábamos que nadie lo viera”, reconoció Goldstein a Esquire en julio de 2021, cuando estaba a punto de estrenarse la segunda temporada. Ese año, ganó el Emmy a mejor actor secundario por su papel de Roy Kent, un logro que repitió en 2022. “La última vez que estuve aquí me pidieron que no dijera palabrotas, pero lo hice. Lo siento, eso provocó que se cortara la transmisión en el Reino Unido, así que mi familia nunca pudo oírme decir esto. Gracias por esta segunda oportunidad”, bromeó en su segundo discurso de aceptación al más puro estilo Roy Kent.

Su personaje es uno de los favoritos del público. No estaba escrito para él, pero, en parte, sí estaba escrito por él. Goldstein fue contratado por el equipo de Jason Sudeikis —cocreador y protagonista de la serie— como guionista de los 10 primeros episodios. Sin embargo, tras sentir una fuerte conexión con ese futbolista tan cascarrabias como entrañable, se aventuró a mandar un vídeo a los creadores interpretando varias escenas de Roy Kent. “Lo envié por correo electrónico y les dije: ‘Miren, no quiero incomodar a nadie y si esto es una porquería, hagan como si nunca lo hubieran recibido y no volveré a preguntar. Así que pueden ignorar este correo si quieren”, contó en una entrevista con Awards Radar. El órdago funcionó.

Goldstein siempre tuvo clara su vocación artística y estudió Cine en la Universidad de Warwick, pero su vida laboral comenzó en un club de striptease en Marbella cuando tenía 20 años. Esa época de su vida le dio mucho material para sus monólogos cuando empezó a ganarse la vida como comediante de stand up allá por 2006. “El show trata sobre la época en que mi padre tuvo una crisis de la mediana edad y compró un club de striptease en Marbella, en lugar de un coche nuevo, y sobre cómo terminé gestionándolo. Fue una época extraña, sobre todo porque ninguno de los dos tenía experiencia en ese mundo”, explicó en 2011, cuando participó por novena vez en el conocido Festival de Edimburgo.

A pesar de su creciente éxito como actor, el británico no se desprende de su faceta de humorista de stand up. En 2026 se han estrenado cinco películas y series en las que participa, pero se ha reservado los últimos meses del año —del 23 de octubre al 6 de diciembre— para emprender una gira por Estados Unidos con su nuevo espectáculo, Sex, death & small talk, recomendado para mayores de 15 años. “¡No traigas a tus hijos! ¡Aquí no hay nada para ellos!”, lo promocionó Goldstein en una publicación de su perfil de Instagram, donde tiene 1,6 millones de seguidores. Este nuevo tour llega tras el éxito de su primer especial de monólogos para HBO, The Second Best Night of Your Life, que se estrenó en 2025 tras una gira por Norteamérica con todas las entradas agotadas. “Mientras me lo permitan, me encantaría actuar, escribir y hacer monólogos. Jamás querría dejar ninguna de esas actividades”, confirmó el año pasado a The Wrap.

El humor no siempre tiene cabida en su trabajo. En At the Sea (2026), el drama protagonizado por Amy Adams que se estrenó el pasado febrero, Goldstein interpreta a un exadicto a la heroína que no destaca precisamente por su gracia. Lo que sí se está convirtiendo en una costumbre para el intérprete es actuar en los proyectos que él mismo crea. Uno de los ejemplos más recientes es la serie Terapia sin filtro —que obtuvo 10 nominaciones al Emmy en la gala del pasado 14 de septiembre—, en la que trabaja en el equipo de dirección, guion y también forma parte del reparto principal, donde destacan nombres como el de Jason Segel o, su ídolo, Harrison Ford. “He tenido mucha suerte. He trabajado con un montón de gente muy famosa que es brillante. Y al cabo de una semana, la mayoría acaban siendo simplemente gente, te llevas bien con ellos y os hacéis amigos”, explicó Goldstein en el programa de Jimmy Fallon. “Pero llevo más de tres años con Harrison Ford y cada vez que me envía un mensaje sigo diciendo: ‘¡Joder! ¡Me ha mandado un mensaje Harrison Ford!”, compartió entre risas.

Además de participar en el éxito de Prime Video Las ovejas detectives, donde pone voz a los carneros gemelos del rebaño de Hugh Jackman, este verano también ha promocionado Turbulencia en la oficina, la comedia romántica de Netflix que ha escrito con Joe Kelly —cocreador de Ted Lasso— y que protagoniza junto a Jennifer Lopez. “Creo que es una actriz tremendamente infravalorada. Todo el mundo da por sentadas todas las cosas que hace, pero es una actriz fantástica y, en este género en particular, es especial (…) Tiene un carisma y un encanto auténticos, de los que tienen una fuerza descomunal”, dijo Goldstein sobre Lopez a principios de junio. “Acabo de hacer una película con Brett Goldstein y diría que es el que mejor besa”, confesó ella en mayo cuando le preguntaron por el beso favorito de su carrera.

La pareja de intérpretes derrochó tanta complicidad durante la promoción de la película, donde no pararon de profesarse públicamente caricias, sonrisas y miradas muy intensas, que la prensa empezó a frotarse las manos ante la posibilidad de un romance real. “No estamos saliendo”, terminó desmintiendo la cantante de On the Floor durante su aparición conjunta en el programa Today. “Correcto”, fue la escueta respuesta de Goldstein.

Más allá de su discreta relación con la actriz y comediante británica Beth Rylance —“Beth, te amo”, dijo al recoger su primer Emmy—, su historial amoroso es un misterio. El noviazgo con Rylance terminó en agosto de 2022. Dos meses antes, Goldstein debutó en el lucrativo universo cinematográfico de Marvel con un breve cameo como Hércules en la escena poscréditos de Thor: Love and Thunder, sugiriendo el desarrollo de su personaje en futuras películas de la saga de superhéroes. Según contó entonces a The Playlist, solo le avisaron con dos semanas de antelación. “Ese día hice 400 flexiones. Estaba a punto de reventar, hice todo lo que pude”, comentó sobre la preparación física para el personaje. En su reciente entrevista con Men’s Health, también bromeó sobre los posibles motivos de su elección: “No me di cuenta de lo atípico que era conservar el vello en el pecho hasta que fui por primera vez a Los Ángeles. Fui a una piscina en una azotea y creo que alguien llamó al servicio de control de plagas. Pero a Marvel no le supuso ningún problema, de hecho, probablemente me eligieron por eso”.

Buena parte de sus monólogos se centran en airear detalles de su vida privada, pero el actor es muy celoso de su intimidad y la de su entorno. Aun así, ha hecho excepciones para visibilizar asuntos que considera importantes. En 2024, por ejemplo, compartió en el programa de Seth Meyers que el personaje de Harrison Ford en Terapia sin filtro, un terapeuta veterano al que el párkinson le complica cada vez más la vida, está inspirado en su padre. “Mi padre tiene párkinson, y no era algo de lo que fuéramos a hablar públicamente cuando hablábamos de la serie”, confesó en 2024, cuando aseguró que a su padre le encantó la idea de que lo asociaran con el actor de Indiana Jones.

En la entrevista con Men’s Health, se sinceró sobre su propia depresión, un trastorno mental que también está presente en la trama de la serie. “Ni siquiera hacía audiciones para nada. Todo era un poco desalentador. Además, me estaba haciendo mayor y tuve ese momento de auténtica… no sé, revelación, o algo así, en el que pensé: ‘Quizá haya dejado pasar mi oportunidad. Quizá la oportunidad de que yo tenga algún tipo de éxito ya se haya esfumado”, recordó sobre esa época en la que acabó buscando ayuda de un psicólogo que le abrió los ojos.

Al final, Goldstein ha obtenido su ansiado éxito en la cuarentena, un éxito que no se traduce tanto en popularidad y premios como en seguir dedicándose a lo que más le gusta sin preocuparse por tener espectadores o llegar a fin de mes. Los medios especializados estiman su fortuna actual en 10 millones de dólares —8,7 millones de euros—, después de un considerable aumento de sueldo desde la primera hasta la cuarta temporada de Ted Lasso. “No me importa ser famoso. Si mi vida es la que tengo ahora mismo, entonces soy el tipo más afortunado del mundo”, admitió a la revista masculina. Igual no está “en todas malditas partes”, pero está donde quiere estar.

Fuente: El País 

El cargo Brett Goldstein, el comediante que gestionó un club de ‘striptease’ en Marbella antes de alcanzar la fama con ‘Ted Lasso’ apareció primero en Radio Kollasuyo.

Corrían los años 40. Y, desde el primer momento en que la vio, Charles Aznavour supo que su vida cambiaría para siempre. Edith Piaf era una mujer difícil. Su vida había sido difícil. Y lo seguiría siendo hasta el final. Como si la palabra “felicidad” no hubiera figurado en su diccionario. De manera que su relación con ella nunca fue para nada apacible. Pero era joven, muy joven. Y se enamoró perdidamente de ella aunque no fue correspondido.

El primer encuentro tuvo lugar en 1946, en París, durante una emisión radial con público que tuvo lugar en la sala de conciertos Washington. Aznavour estaba actuando junto a su coequiper Pierre Roche, cuando Edith lo vio y quedó fascinada con su talento. Ella era una mujer libre y desprejuiciada así que, según cuentan, esa misma noche lo invitó a su casa de la rue La Boétie. Dicen que, a pedido de ella, él le entregó el tema Il pleut, que Piaf grabó dos años más tarde. Y que, desde entonces, el joven se convirtió en todo lo que ella quisiera que fuera: libretista, asistente, chofer, telonero, ¿amante?…

Sin lugar a dudas, Edith le dio a Charles ese cimbronazo que necesitaba para empezar a crecer en su carrera. Lo primero que le dijo fue que estaba desperdiciando su talento al cantar a dúo con otro intérprete. Pero le propuso que la acompañaran en su viaje a los Estados Unidos, durante la gira que se extendió entre 1947 y 1948. Así fue como se convirtió en su mentora. Y él en uno de los poetas de algunos de los temas que Piaf volvió inolvidables con su nostálgica voz, como C’est un gars, Plus bleu que tes yeux y Une enfant, entre otros.

Pero también cuentan que ella no lo trataba bien. Que lo tenía como “el chico de los recados”. Y que él la padeció. Porque, a diferencia de lo que le había ocurrido a Aznavour, Edith nunca se enamoró de él. Ella amaba los temas que él hacía. Y amaba su talento. Pero no lo amaba a él. Charles, en cambio, perdió la cabeza por ella. Aunque, tal vez por caballerosidad, nunca reconoció públicamente que la relación hubiera avanzado más allá de la amistad. Y siempre dijo haberse sentido honrado de trabajar para ella.

“¡Adoro cada momento de ser esclavo de Piaf!, “No podría haber tenido un aprendizaje mejor, ¡créanme!”, “Ella me hizo trabajar más duro de lo que he trabajado en todos los años desde entonces. ¡Era un monstruo y la adoraba!”, fueron algunas de las respuestas que dio al ser consultado por su vínculo laboral con ella, que se mantuvo durante ocho años. Sin embargo, cuando le preguntaban por su relación personal, solo hablaba de la gran amistad y la complicidad que habían logrado como si fueran “niños de la calle” y que siguió vigente hasta la muerte de Edith, ocurrida el 10 de octubre de 1963.

Aznavour bailando con Edith Piaf

Aznavour había llegado al mundo el 22 de mayo de 1924 en París. Era hijo de un matrimonio de artistas armenios, Mischa Aznavourian y Knar Baghdasaryan, que se habían exiliado de su tierra natal huyendo del genocidio armenio. Primero se refugiaron en Grecia, donde nació su primera hija, Aida, y luego se instalaron en Francia para esperar las visas que les permitieran viajar a los Estados Unidos. Pero, finalmente, decidieron construir su futuro allí.

La infancia de Charles fue muy austera. Su padre había abierto un restaurante, Cáucaso, en el que solía cantar con su hijo para entretener a los comensales. Pero, dadas las carencias que ellos mismos habían pasado y su espíritu solidario, comenzaron a dar almuerzos gratuitos para quienes los necesitaban, lo que terminó por fundir el negocio. Y la familia tuvo que limitarse a vivir de los ingresos de su madre, que trabajaba como costurera particular.

Llegados los años 30, Aznavour empezó a dar sus primeros pasos en el mundo del espectáculo junto con su hermana, con la que solía participar de pequeñas obras de teatro. Entonces comenzó a trabajar como canillita, para poder costear sus estudios de música y actuación, seguro de que ese sería su destino. En 1933, debutó como bailarín en el Théâtre du Petit Monde. Y dos años después, con tan solo 11 de edad, participó en la creación de Margot de Édouard Bourdet en el Teatro Marigny.

Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, la familia de Aznavour escondió en su departamento a judíos peseguidos y armenios reclutados a la fuerza por el ejército alemán, arriesgando sus propias vidas. En esos años oscuros, todo giró en torno a la necesidad de sobrevivir. Sin embargo, una vez que el conflicto bélico llegó a su fin, Charles conoció a un talentoso pianista con el que formó el dúo Roche-Aznavour. Juntos escribieron canciones para ellos y, luego, para otros artistas. Y comenzaron a ser reconocidos tanto en Francia como en otros países de Europa.

Entonces apareció Piaf, que los llevó de gira por Norteamérica. El dúo, después, se instalo en Canadá. Pero, al tiempo, Charles decidió volver a París donde continuó su carrera solista. Tenía una voz “extraña” que no terminaba de convencer a los críticos. Sin embargo, amparado por el círculo de su amiga Edith, logró convertirse en el mayor referente de la chanson francesa. La bohème, Que c’est triste Venise, She y La mamma, son solo algunos de los temas que siguen sonando al día de hoy haciendo estremecer a más de uno. Fueron alrededor de 1.400 canciones, en nueve idiomas, con 91 álbumes de estudio originales con los que vendió más de 200 millones de discos. Eso, sumado a las más de 60 películas en las que trabajó.

Su éxito nunca se detuvo. Pero, a principios de 2018, Charles sufrió un accidente. Ya estaba grande y nadie pensaba que pudiera volver a cantar en público. Sin embargo, tras cinco meses de inmovilización y la cancelación de varios de sus conciertos, Aznavour regresó a los escenarios para ofrecer dos recitales que tuvieron lugar en Japón, el 17 y el 19 de septiembre. Fueron los últimos. El 1° de octubre de ese mismo año, a la edad de 94 años, falleció en su casa de Mouriès, en el sureste de Francia. Y fue despedido con honores por todo el país.

Fuente: INFOBAE

El cargo Charles Aznavour: el gran ídolo de la “chanson francesa” que comenzó su carrera como letrista, chofer y asistente de Edith Piaf apareció primero en Radio Kollasuyo.

El cargo Raphael: “No soy nostálgico porque no tengo tiempo” apareció primero en Radio Kollasuyo.

La conquista de Aegon Targaryen llegará a los cines como la primera película derivada de la franquicia Game of Thrones. Warner Bros. Pictures estrenará la producción el 1 de junio de 2029.

La dirección estará a cargo de Owen Harris, vinculado a A Knight of the Seven Kingdoms, mientras que Beau Willimon, conocido por House of Cards, firmará el guion.

La película abordará el origen del dominio Targaryen sobre Poniente a partir de Aegon I, el conquistador que unificó los reinos con el respaldo de sus dragones. Aunque todavía no se difundieron detalles oficiales de la trama, el título anticipa una historia centrada en la campaña que dio forma al futuro de los Siete Reinos.

La película relatará el ascenso al poder de la familia Targaryen en Westeros

El estreno prolongará el calendario de HBO para mantener activa la franquicia con al menos una producción anual. La segunda temporada de A Knight of the Seven Kingdoms está prevista para 2027, la cuarta y última entrega de House of the Dragon llegará en 2028 y la película ocupará el turno de 2029.

Aegon Targaryen y la fundación del Trono de Hierro

Aegon fue el primer señor de los Siete Reinos y el responsable de la creación del Trono de Hierro, que mandó forjar con las espadas de los enemigos derrotados durante su avance por Poniente.

Su campaña no fue una empresa individual. Sus hermanas Visenya y Rhaenys también participaron de la conquista y se convirtieron en sus esposas, según la historia desarrollada por George R. R. Martin en sus obras literarias.

El vínculo con cada una tuvo motivaciones distintas dentro del relato. Aegon se casó con Visenya, su hermana mayor, por deber, mientras que su unión con Rhaenys respondió al deseo.

Los tres pertenecían a una familia que había abandonado Antigua Valyria antes de la destrucción de la ciudad y de la península que la rodeaba. La catástrofe, conocida como la Maldición, obligó a integrantes de las casas Targaryen y Velaryon a escapar de su territorio ancestral.

El poder militar de la familia descansaba en sus monturas. Aegon cabalgaba a Balerion, llamado el Terror Negro, mientras que Visenya volaba sobre Vhagar y Rhaenys lo hacía en Meraxes.

La presencia de Vhagar ya tiene un peso central en House of the Dragon. En esa serie, el príncipe Aemond Targaryen, interpretado por Ewan Mitchell, monta a la criatura durante los conflictos internos de la dinastía.

La profecía de “Canción de hielo y fuego” conecta la película con las series

La historia de la conquista ya había recibido una referencia decisiva en la primera temporada de House of the Dragon. El rey Viserys explicó que Aegon tuvo una visión que llamó “Canción de hielo y fuego”, el mismo nombre de la saga literaria principal de Martin.

La premonición mostraba un invierno devastador que avanzaba desde el norte y amenazaba con acabar con toda forma de vida. Aegon entendió que Poniente debía quedar bajo un mando común para enfrentar esa amenaza.

El conquistador temía que la humanidad no sobreviviría sin un Targaryen capaz de usar el fuego de los dragones contra ese peligro. La amenaza a la que se refería terminó identificada con los Caminantes Blancos.

Las premoniciones de Aegon I anunciaban la llegada de una catástrofe en Westeros que siglos más tarde se presentó en la forma de los caminantes blancos (Créditos: HBO Max)

Esa conexión ofrece una vía narrativa entre el origen de la casa Targaryen y los hechos que, siglos más tarde, atravesaron la serie original. La futura película podría situar la ambición militar de Aegon dentro de una preocupación que excedía la expansión territorial.

El proyecto también parece reemplazar una versión televisiva que había quedado en desarrollo. Mattson Tomlin, guionista de The Batman Part II y Terminator Zero, había trabajado antes en un tratamiento para una serie basada en la historia del conquistador.

No se informó que aquella propuesta siga adelante. La nueva producción cinematográfica concentra ahora el relato de Aegon y su llegada a Poniente bajo el sello de Warner Bros. Pictures.

La franquicia en cines, una idea que viene desde el final de la serie original

La idea de llevar la franquicia a las salas existía desde los años finales de la producción original. Los responsables de Game of Thrones, D. B. Weiss y David Benioff, esperaban que la última temporada tuviera un estreno cinematográfico.

Aquellos planes no se concretaron. La emisión final se mantuvo dentro de HBO y la expansión posterior continuó con series ambientadas en distintas etapas de la historia de Poniente.

HBO anunció los planes de una película de ‘Game of Thrones’ desde 2024

HBO confirmó formalmente que desarrollaba una película en 2024. Desde entonces, la información sobre el proyecto surgió de forma gradual, sin que se conocieran entonces ni su enfoque definitivo ni una fecha de lanzamiento.

La elección de Aegon coloca en el centro uno de los episodios fundacionales del universo creado por Martin. La película mostrará una etapa previa a las guerras dinásticas conocidas por el público y pondrá el foco en la familia que estableció el orden político de los Siete Reinos.

Fuente: INFOBAE

El cargo La primera película de ‘Game of Thrones’ ya tiene fecha de estreno: todo sobre ‘La conquista de Aegon’ apareció primero en Radio Kollasuyo.

Sylvester Stallone reveló un aspecto inédito de su vida durante los años en que convirtió a Rocky Balboa y John Rambo en dos de los personajes más reconocibles del cine de acción. En una entrevista con The New York Times publicada el 26 de septiembre, el actor de 80 años confesó que desarrolló bulimia mientras llevaba su cuerpo al límite para mantener el físico que exigían sus películas.

La conversación se produjo días antes del lanzamiento de The Steps, el nuevo libro de memorias del astro de Hollywood, que llegará a las librerías el 29 de septiembre.

En la entrevista, Stallone explicó que comenzó a relacionar su apariencia física con la identidad de sus personajes después del éxito de Rocky. “Era mi armadura”, afirmó al recordar cómo cambió su percepción del cuerpo.

Para Stallone, la transformación de su físico pasó de ser una necesidad profesional a convertirse en una obsesión.(MGM/IMDb)

Para la primera película de Rocky, el actor imaginó inicialmente a un hombre de aspecto común. Sin embargo, con el avance de la saga empezó a pensar que el boxeador podía volverse más vanidoso y prestar mayor atención a su apariencia.

Con Rambo, su concepción fue todavía más extrema. Stallone buscó un físico definido y atlético, aunque no necesariamente tan voluminoso como el de Arnold Schwarzenegger. “Empecé a pensar: diseña tu cuerpo como un jaguar, un gato. No grande como Arnold, sino más salvaje y agresivo, y muy flexible y atlético”, contó.

“Entonces se convirtió en una obsesión. Muy mala. Llegó al punto en que me volví bulímico. Aquí lo escucharon primero”, confesó Stallone a The New York Times.

El episodio ocurrió durante la preparación de Rocky III, estrenada en 1982. Stallone aseguró que llegó a reducir su porcentaje de grasa corporal hasta 2,6 % y que tenía dificultades para retener los alimentos.

Stallone contó por primera vez que desarrolló bulimia mientras intentaba conservar el físico que había construido para sus personajes. (MGM/IMDb)

“No podía mantener nada dentro. O no quería mantenerlo dentro porque me había obsesionado tanto con mantener ese nivel de condición física, literalmente una especie de culto obsesivo al cuerpo”, explicó.

En 2023, el actor había detallado al Wall Street Journal su dieta extrema de la época: “Mi desayuno eran dos galletas de avena hechas con arroz integral y 10 tazas de café”.

“Olvidaba mi propio número de teléfono. Comía únicamente atún. Mi memoria estaba destruida, había desaparecido por completo. Sufría todo tipo de efectos físicos debilitantes”, contó.

Stallone también confirmó el uso de esteroides

La transformación física no dependió únicamente de las dietas y el entrenamiento. Ante la pregunta directa sobre si había utilizado esteroides, Stallone respondió: “Oh, Dios mío, tienes que hacerlo”. El actor aseguró que utilizaba un esquema de seis semanas de uso y seis semanas de descanso, aunque no especificó qué sustancias empleaba.

“Hay gente que dice: ‘No consigues ese cuerpo de forma natural’. No, no lo consigues”, sostuvo. “Pero eso también tuvo un precio terrible”.

El papel de Freddy Heflin en Cop Land permitió a Stallone alejarse de la imagen musculosa que había construido durante años. (IMDb)

Años después, Cop Land (1997) le permitió alejarse de la imagen física que había construido durante su carrera. En la película, Stallone interpretó a Freddy Heflin, un sheriff con sobrepeso y parcialmente sordo.

“No fue hasta que hice Cop Land, cuando tuve que interpretar al tipo más débil de la habitación, que me sentí algo liberado”, recordó.

La exigencia física de sus películas, sin embargo, también tuvo consecuencias a largo plazo. Stallone reveló que se sometió a nueve operaciones de espalda, dos de hombro y tres fusiones cervicales.

“He abusado de mi cuerpo”, admitió.

A sus 80 años, Stallone reconoce que mantener el físico de sus personajes tuvo un costo considerable para su cuerpo (REUTERS/Jeenah Moon)

A sus 80 años, el actor todavía intenta mantenerse en forma, aunque su relación con el físico que alguna vez consideró su “armadura” cambió. “Estoy más o menos en forma, pero tomo muchas pastillas para seguir adelante”, dijo.

También aseguró que, si pudiera repetir su carrera, dejaría que otras personas hicieran sus escenas de riesgo. “No sé qué era lo que me hacía lastimarme todo el tiempo”, expresó.

Esta revisión de su pasado continúa una línea que Stallone ya había explorado en Sly, el documental de 2023 dirigido por Thom Zimny. La producción examinó su carrera y la influencia de las experiencias de su infancia y de su relación con sus padres en personajes como Rocky y Rambo.

Fuente: INFOBAE

El cargo Sylvester Stallone confiesa que desarrolló bulimia al grabar “Rocky III”: “Mi cuerpo se convirtió en una obsesión” apareció primero en Radio Kollasuyo.

La última vez que Madonna actuó en los MTV Video Music Awards (VMA) hizo retumbar los cimientos de la cultura pop —y del puritanismo— compartiendo un beso con Britney Spears y Christina Aguilera. Era 2003 en Nueva York, en pleno auge de la estética Y2K, y en el Radio City Music Hall comenzó a sonar Like a Virgin cantada por la princesa del pop. Fue una puesta en escena nupcial y sobria a la que después se…

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Gabrielle Henry protagonizó uno de los momentos más virales de la última gala de Miss Universo, el pasado 21 de noviembre, pero no fue por proclamarse ganadora —la corona se la llevó la mexicana Fátima Bosch—, sino por una aparatosa caída mientras desfilaba por el escenario. La modelo, de 28 años y representante de Jamaica en el concurso de belleza que se celebró en Bangkok (Tailandia), fue trasladada en camilla y pasó varias semanas en el hospital. Ahora, casi un año después del incidente, Henry ha presentado una demanda contra la Organización Miss Universo, acusando al certamen y a sus empresas matrices —JKN Legacy, Inc. y Legacy Holding Group USA— de negligencia y condiciones inseguras.

En la demanda, presentada el pasado lunes, 21 de septiembre, ante el Tribunal Superior de Delaware (EE UU, de donde es la organización) y a la que ha tenido acceso The Cut, Henry asegura que ella estaba siguiendo la coreografía cuando la intensa iluminación del escenario le impidió ver bien, lo que provocó que cayera desde una altura de aproximadamente un metro y medio por una abertura sin señalizar ni cubrir en el escenario. Tras la caída, Henry afirma que perdió el conocimiento y sufrió una lesión cerebral traumática y hemorragias que requirieron su hospitalización durante semanas. Además, alega que otras concursantes también se habían quejado de la iluminación y las condiciones del escenario, las cuales, según ella, fueron modificadas y mejoradas para garantizar la seguridad tras su caída. “Henry acusa a la Organización Miss Universo de negligencia temeraria respecto a su seguridad y la de las demás concursantes, calificando el incidente como ‘el momento más traumático’ de su vida”, señala la publicación.

La Organización Miss Universo, por su parte, ha compartido un comunicado con ABC News en el que declara que, si bien “la salud y el bienestar de la Sra. Gabrielle Henry siempre han sido una prioridad”, el organismo de certámenes de belleza aún no había recibido la demanda y, por lo tanto, no estaba “en posición de comentar sobre alegaciones” que no han visto. En otro comunicado a People, la organización señala que la seguridad en el lugar del evento era responsabilidad de Miss Grand International y Miss Universe Thailand, la anfitriona y productora local del certamen del año pasado. Y la organización señala haber pagado los gastos hospitalarios de Henry “a pesar de no tener obligación de hacerlo”.

La respuesta de la organización llegó después de que la propia Henry publicase en People un ensayo en primera persona en el que narraba las secuelas del accidente. “Mi estancia en el hospital, tanto en Tailandia inmediatamente después de mi caída como de vuelta en Jamaica, fue desconcertante. Me sentía atrapada en la cama, esperando con ansias cada día el tiempo que podría pasar con mis fisioterapeutas”, relata en el texto publicado este miércoles. Henry afirma que la lesión “cambió para siempre el rumbo” de su vida y que, durante las primeras semanas, no podía caminar ni bañarse sin ayuda. Su recuperación, dice, duró meses e implicó “noches de insomnio con fuertes dolores de espalda y dolores de cabeza indescriptibles y terriblemente dolorosos”.

Además de modelo, Henry trabaja como residente de oftalmología, pero asegura que sus lesiones le impidieron retomar su residencia médica y que sigue sufriendo síntomas neurológicos y cognitivos. “He pasado de ser estudiante a médica y luego a paciente, y estoy intentando seguir adelante”, escribe. Ahora, según explica, ha vuelto al trabajo, pero con un horario modificado y con los médicos siempre a mano: “Solo espero seguir sanando, seguir creciendo y continuar por el camino que se ha trazado para mí”.

La modelo estuvo este jueves en el programa Good Morning America y contó que la experiencia tras la caída en el certamen fue extremadamente traumática: “No se la desearía ni a mi peor enemigo”. Además, describió lo que sintió como una “experiencia extracorpórea, una sensación de disociación de uno mismo”. “Me costó muchísimo volver a ese punto en el que dijera: ‘Este es mi cuerpo, esta soy yo. Sigo aquí”, recordó.

El pasado febrero, Henry compartió con sus 21.400 seguidores de Instagram varias imágenes de su recuperación en el hospital y las acompañó de un texto en el que explicaba lo vivido. “Esta temporada ha redefinido la restauración y renovación para mí. En un momento en el que solo quería representar a Jamaica al máximo, me enfrenté a la lesión más inesperada de mi vida. Cambió todo”, reflexionó. Aun así, se mostró optimista: “He aprendido que una caída puede hacerte descubrir una fuerza interior que ni siquiera sabías que tenías. Mi mayor fortaleza ha sido decidir levantarme, incluso aunque todavía esté en pleno camino”.

Fuente: EL PAÍS

El cargo Miss Jamaica demanda a Miss Universo tras sufrir una lesión cerebral en su caída durante el concurso de 2025: “Cambió el rumbo de mi vida” apareció primero en Radio Kollasuyo.

La alfombra roja del Festival Internacional de Cine de San Sebastián se ha rendido un año más ante Penélope Cruz, que este fin de semana se dejaba ver por Donosti con motivo del estreno de ‘La bola negra’, la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi que tanto está dando que hablar. Una ocasión para la que no dudó en escoger uno de sus colores recurrentes para conquistar a todos los allí presentes.

EL VESTIDO NEGRO DE PENÉLOPE CRUZ CON EL QUE HA VUELTO A REINAR: VOLUMEN, ENCAJE Y UNA COLA ESPECTACULAR

Cruz apostó por un vestido de gala de Chanel, de gran volumen, con una silueta de inspiración ‘couture’ que presentaba un cuerpo entallado y un escote pronunciado en ‘V’, acompañado de mangas cortas con volantes estructurados. La falda, amplia y larga, incorporaba numerosas capas y pliegues que creaban movimiento y una marcada sensación escultural.

El diseño destacaba por su juego de texturas y volúmenes: el tejido principal se apreciaba ligeramente satinado, mientras que en la zona del escote aparece un detalle de encaje que introducía contraste. Los volantes, las capas superpuestas y la cola voluminosa construían una imagen impecable para una alfombra roja, mientras que el negro aportaba ese toque sofisticado y elegante.

En cuanto al ‘beauty look’, Penélope lució su media melena lisa con raya lateral, que enmarcaba el rostro y suavizaba la contundencia del vestido y el maquillaje presentaba énfasis en la mirada y en los labios, en tonos neutros, reforzando esa estética de glamour con un punto romántico.

Fuente: EUROPAPRESS

El cargo El espectacular look de Penélope Cruz en la alfombra roja de ‘La bola negra’ en el Festival de San Sebastián apareció primero en Radio Kollasuyo.

Doce noches, cuatro fines de semana y un vestuario impresionante en cada concierto. Shakira está sorprendiendo en todos los sentidos en sus conciertos de Madrid. Su llegada a la la capital con ‘LMYNL’ (‘Las Mujeres ya no lloran’) está dando mucho de qué hablar (y bailar), y no es para menos.

El pasado 18 de septiembre fue la primera fecha en la que la colombiana abría las puertas de su ‘residencia europea’ en Madrid, donde estará hasta el 11 de octubre cantando sus temas más famosos y sorprendiendo a un público que viene de todas las partes del mundo.

Más allá de su repertorio musical, Shakira no solo ha demostrado que las mujeres facturan, sino que también brillan más que nunca. Su vestuario se ha convertido en una parte fundamental de la narrativa del espectáculo de la de Barranquilla.

LOS ESTILISMOS MÁS IMPRESIONANTES DE SHAKIRA EN SUS CONCIERTOS DE MADRID

Cada concierto comienza con una ‘caminata’ encabezada por la propia artista, quien, acompañada de personalidades conocidas, se dirige hasta el escenario para cantar la primera de las canciones. Rostros como los de Paula Echevarría y su hija Daniella Bustamante, Lola Lolita, Mar Lucas o Jedet, ya se han convertido en las ‘lobas’ de esta peculiar manada.

Shakira comienza el espectáculo con un conjunto cargado de brillo, ya sea con estampado o liso, como así ha hecho durante sus primeras fechas en Madrid. Uno de los que más ha gustado es un mono que presenta el estampado Paisley Jungle de ETRO, combinando vibrantes tonos lila, rojo y rosa con una luminosa ornamentación de cristales que hace que cada actuación resulte aún más impactante.

Sin embargo, lo verdaderamente sorprendente es la cantidad de estilismos que la colombiana lleva durante su espectáculo y lo realmente rápido que consigue estos múltiples cambios de ropa, de los que incluso, a veces, hace partícipe al público.

Cada uno de los looks cuenta su propia historia y todos ellos están cargados de detalles, todo ello es obra del equipo de estilistas que acompañan a Shakira durante la gira. Nicolás Bru, junto a otros compañeros, son los responsables de hacer brillar a la latina con su vestimenta. Mientras que el pelo rizado, suelto y cargado de volumen es gracias a Jhonatan Random.

Para arrancar el concierto, Shakira elige, como no podía ser de otra manera, un ‘outfit’ morado cargado de significado, puesto que este color simboliza la lucha feminista, algo en lo que, claramente, la colombiana se posiciona en todo el hilo conductor de su show y, por supuesto, de su gira mundial. En concreto, Shakira lleva un vestido desmontable de body y falda en color morado, con escote en pico y botas altas moradas a tono.

Seguidamente, un vestido transparente confeccionado en hilos marrones firmado por Natalia Fender fue la segunda elección de Shakira y de sus bailarinas. Con este estilismo interpreta temas tan icónicos como ‘La Tortura’. El diseño cuenta con aire tribal y la artista lo lleva descalza y tan solo con un brazalete en cada brazo.

Cabe destacar que Shakira no se olvida de la estética rockera, con un pantalón y un top que incorporan el estampado Paisley Baroque, también de ETRO. El conjunto está realzado con cristales Swarovski Hotfix, cuidadosamente aplicados para brillar bajo las luces del escenario.

Foto: cortesía de ETRO

Otro de los estilismos más llamativos es el que Shakira lleva para convertirse casi en una estrella de ‘pole dance’: un conjunto de minifalda de lentejuelas plateadas con toques rosas, así como un top a juego y botas. Sobre el escenario aparece una ‘S’ gigante con una barra vertical en medio para cantar ‘Soltera’, uno de sus temas actuales favoritos del público.

Uno de los looks más comentados del espectáculo es el de color rojo, que Shakira lleva para cantar canciones como ‘Suerte’ (‘Wherever, wherever’) u ‘Ojos así’. Se trata de un top rojo de lentejuelas con falda con aberturas laterales y flecos a tono. Un ‘outfit’ cargado de movimiento que, junto a sus bailes, se convierte en una auténtica cascada de brillo.

La parte futbolera de la noche llega cuando canta dos de los temas más esperados como ‘Dai Dai’ y ‘Waka waka’, que han puesto precisamente ritmo a los dos Mundiales que ha ganado España, un detalle por parte de Shakira con el país donde ha decidido poner su residencia.

Para este tramo del show, Shakira lleva un top en color rosa fucsia con escote triangular anudado al cuello, del que caen flecos XL en tono rosa y verde. Asimismo, como prenda inferior, luce una falda con estos mismos flecos, perfectos para cada movimiento.

Y si bien dicen que siempre lo mejor es para el final, Shakira decide terminar su show con ‘Loba’ o ‘Las Mujeres Ya no Lloran’, vestida con un mono super ajustado al cuerpo transparente decorado con estampado multicolor de estilo tribal en tono rojo, azul y morado.

Cada estilismo representa una versión de la misma artista, pero el carácter de mujer empoderada lo muestra en cada uno de ellos, protagonizados por brillo y otros elementos llamativos.

LA EXPERIENCIA NO EMPIEZA CON EL SHOW: AHORA EL DESTINO SE ELIGE POR EL ARTISTA

Si hay algo que Shakira esté demostrando en esta gira mundial es que las mujeres, ante todo, facturan… Especialmente ella. En este sentido, la colombiana ha creado uno de los escenarios más grandes de Europa, rodeado de una ciudad hecha a su gusto que ha recibido el nombre de Macondo Park, también conocido como el Estadio de Shakira.

En el interior del recinto, encontramos unas 30 hectáreas, capaces de albergar a 50.000 personas cada día y con todo tipo de actividades. Si bien es cierto que está inspirado en el realismo mágico de ‘Cien años de soledad‘, de Gabriel García Márquez, la artista ha pensado en todo tipo de públicos con ‘Macondito’, un pabellón dirigido a los más pequeños; un museo con trajes y discos de su carrera musical; un espacio con todo tipo de propuestas gastronómicas y otras actividades culturales.

De esta manera, Shakira confirma así una de las tendencias que más estamos viendo en los últimos años en torno a la música: el turismo musical. Cada vez es más habitual que sea el concierto lo que determine el viaje: podemos elegir fecha, ciudad y compañía en torno a un artista. Y, por supuesto, crear la experiencia alrededor de ese concierto, ya que elegimos el ‘outfit’ para la noche, el alojamiento, la cena previa…

El turismo musical es una tendencia que la residencia de Shakira en Madrid ejemplifica a la perfección: doce conciertos que se han convertido en un acontecimiento que trasciende el propio escenario, con propuestas paralelas que extienden la experiencia por toda la ciudad.

Detrás de esa forma de vivir los grandes conciertos está Azulmarino, la red de agencias de viajes de World2Meet, que junto a Live Nation España ha integrado entrada, alojamiento y traslados en una misma propuesta pensada para que el fan solo tenga que preocuparse de disfrutar.

Casi la mitad de los españoles, según datos de World2Meet, ha viajado alguna vez para asistir a un evento musical y cada vez es más habitual que sea el artista, el concierto o el festival quien determine dónde y cuándo viajar, convirtiendo la música en una puerta de entrada al destino.

Es por esta misma razón que esta alianza ya ha acompañado giras de grandes artistas como Rosalía, Bad Bunny o Bruno Mars, y en 2027 seguirá su recorrido con nombres como Karol G, Olivia Rodrigo o Gracie Abrams, entre muchos otros. Algo que confirma que, cada vez más, nos dejamos llevar por la música.

Fuente: EUROPAPRESS

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